Hellraiser es una película de terror británica estrenada en 1987, escrita y dirigida por Clive Barker, y basada en su propia novela titulada The Hellbound Heart. Se la considera tanto una película de culto como un clásico del género.
Nominada como la mejor novela del año en el Reino Unido, treinta años después se ha convertido en una obra de culto tras la primera versión cinematográfica que se hizo de ella en 1987. Clive Barker aborda en sus páginas cuestiones cruciales como el amor y la desesperación, el deseo, la muerte y la sangre, mediante metáforas sugerentes, reflejando el hedonismo desenfrenado hasta límites trascendentes.
La película explora temas como el sadomasoquismo, la relación entre el dolor y el placer, y la moralidad de personajes sometidos al temor y la tentación. Es la primera entrega de una saga que llega hasta el año 2022 y presenta al personaje Pinhead, el cual rápidamente se convirtió en un icono del cine de terror.
En este episodio número 100 hemos querido llevar a cabo una propuesta de episodio desde una perspectiva más personal en la que conversamos sobre CINE como fenómeno artístico, cultural y comercial exponiendo nuestra visión particular sobre estilos, gustos, preferencias y todo lo inabarcable del séptimo arte a lo largo de su historia remota y actual.
Un episodio en el que pretendemos compartir nuestras visiones actuales cinéfilas a lo largo de trayectorias que abarcan desde la infancia hasta la edad adulta donde el espacio temporal generado nos permite fundamentar nuestra opinión crítica desde la experiencia como espectador que observa, interpreta, comprende y, ante todo, siente las obras e intención de sus autores.
Un episodio para todas aquellas personas con curiosidad por conocer cómo el cine puede ser interpretado y sentido yendo desde el mero entretenimiento hasta lo más abstracto y elevado de un gran arte siendo capaz de transmitirnos conceptos y emociones tan profundas capaces de modificar nuestras creencias, conceptos e incluso a veces, hasta acariciar la propia epigénesis del ser humano.
Nuestro más sincero agradecimiento para Idoia Arbillaga, Antonio Rentero y Jimmy por su participación, complicidad y acompañamiento en este proyecto que construimos entre todos y que inicia su cuarta temporada donde sin duda seguiremos debatiendo apasionadamente sobre el fascinante arte del CINE.
Bailando con Lobos es una película épica revisionista del género western estadounidense de 1990, protagonizada, dirigida y producida por Kevin Costner en su debut como director. Se trata de una adaptación cinematográfica de la novela de 1988 Bailando con Lobos, de Michael Blake, que narra la historia del teniente del ejército de la Unión John J. Dunbar (Costner), quien viaja a la frontera estadounidense en busca de un puesto militar y conoce a un grupo de lakotas.
Costner desarrolló la película con un presupuesto inicial de 15 millones de dólares. Gran parte del diálogo está hablado en lakota con subtítulos en inglés. Se rodó entre julio y noviembre de 1989 en Dakota del Sur y Wyoming, y fue traducida por Doris Leader Charge, del departamento de Estudios Lakota de la Universidad Sinte Gleska.
La película recibió críticas favorables de la crítica y el público, quienes elogiaron la dirección, las actuaciones, el guion, la banda sonora, la fotografía y la calidad de producción de Costner. Fue un éxito de taquilla, recaudando 424,2 millones de dólares a nivel mundial, convirtiéndose en la cuarta película más taquillera de 1990 y la película más taquillera de Orion Pictures. La película fue nominada a 12 premios en la 63.ª edición de los Premios Óscar y ganó 7, incluyendo Mejor Película, Mejor Director (Costner), Mejor Guión Adaptado, Mejor Montaje, Mejor Fotografía, Mejor Banda Sonora Original y Mejor Mezcla de Sonido. La película también ganó el Globo de Oro a la Mejor Película Dramática. Es uno de los cuatro westerns que han ganado el Óscar a la Mejor Película; los otros tres son Cimarrón (1931), Sin Perdón (1992) y No es país para Viejos (2007).
Se le atribuye una influencia clave en la revitalización del género cinematográfico western en Hollywood. En 2007, Bailando con Lobos fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso por su importancia cultural, histórica y estética.
Event Horizon es una película de ciencia ficción y terror de 1997 dirigida por Paul Anderson y escrita por Philip Eisner. Está protagonizada por Laurence Fishburne, Sam Neill, Kathleen Quinlan y Joely Richardson. Ambientada en 2047, narra la historia de una tripulación de astronautas enviada en una misión de rescate después de que la nave espacial desaparecida, la Event Horizon, aparece espontáneamente en órbita alrededor de Neptuno, solo para descubrir que una fuerza siniestra ha regresado con ella.
La producción de la película fue problemática, con el rodaje y la edición acelerados por Paramount Pictures cuando se hizo evidente que Titanic no cumpliría con la fecha de estreno prevista. El montaje original de 130 minutos fue editado drásticamente por exigencia del estudio, para consternación de Anderson.
Estrenada en Estados Unidos el 15 de agosto de 1997 y en el Reino Unido el 22 de agosto, Event Horizon fue un fracaso comercial y de crítica, recaudando 42 millones de dólares con un presupuesto de producción de 60 millones. Sin embargo, comenzó a venderse bien en formato doméstico. Su lanzamiento inicial en DVD fue tan exitoso que Paramount contactó a Anderson para comenzar a trabajar en la restauración del metraje eliminado, pero este se había perdido o destruido. Con el paso de los años, la película ha adquirido un estatus de culto y se la menciona en otras obras de la cultura popular.
En 2025, IDW Publishing publicó una serie de cómics que sirve de precuela.
Young Frankenstein (en España, El jovencito Frankenstein; en México y Argentina, El joven Frankenstein; en otros países de Hispanoamérica, Frankenstein Junior) es una película cómica estadounidense de 1974 dirigida por Mel Brooks y con Gene Wilder, Teri Garr, Cloris Leachman, Marty Feldman, Peter Boyle, Madeline Kahn, Kenneth Mars y Gene Hackman como actores principales. El guión fue escrito por Brooks y Wilder.
La película es una parodia del cine de terror clásico, en particular de las adaptaciones cinematográficas de la novela de Mary Shelley Frankenstein y, más en concreto, de las producidas por Universal en los años 1930. Esto se refleja en el hecho de que la mayoría de las piezas del laboratorio sean las mismas que las usadas en la película Frankenstein de 1931, diseñadas por Ken Strickfaden, y que el largometraje esté ambientado en esa década. Para plasmar más eficazmente una atmósfera parecida a la de aquellas películas, Brooks rodó esta producción en blanco y negro, una rara elección en esa época.
Young Frankenstein aparece en el puesto 28 de la lista de las 50 películas de todos los tiempos de la revista Total Magazine, en el número 56 de las «100 películas más divertidas» de la cadena Bravo y en el número 13 de las 100 películas estadounidenses más divertidas del American Film Institute.
Tanto el cuento “El gato negro” de Edgar Allan Poe como las películas que se inspiraron en su título —El gato negro (The Black Cat, 1934, dirigida por Edgar G. Ulmer y titulada en España Satanás), The Black Cat (1941, de Albert S. Rogell), Il gatto nero (1981, de Lucio Fulci) y Kuroneko (1968, de Kaneto Shindō)— comparten un trasfondo inquietante en el que la culpa, lo macabro y la presencia ominosa de lo sobrenatural se convierten en ejes narrativos.
En el relato de Poe, el gato funciona como un símbolo de la conciencia atormentada: un animal aparentemente inocente que, tras ser maltratado y asesinado, regresa en la figura de un doble para delatar el crimen y materializar la culpa del protagonista. Es un cuento íntimo y psicológico, donde el verdadero terror surge del interior humano —la violencia, el alcoholismo, la locura— y no de fuerzas externas.
Las películas, en cambio, trasladan esa atmósfera de angustia y lo siniestro a un plano más externo y fantástico. En Satanás (1934), el título remite a Poe pero la trama apenas guarda relación con el cuento: aquí el gato negro es más un elemento simbólico, mientras que la historia se centra en rituales satánicos, venganzas y la tensión entre los personajes interpretados por Bela Lugosi y Boris Karloff. En The Black Cat (1941), el animal y la mansión funcionan como recursos para una intriga con tintes de misterio y comedia negra, en la que la alusión a Poe es más estética que narrativa. Por su parte, Il gatto nero (1981), de Lucio Fulci, recupera de manera más directa la dimensión maldita del animal: el gato aparece como un ser vinculado a fuerzas ocultas y a una cadena de muertes misteriosas, en un entorno propio del cine de terror italiano, con un estilo atmosférico y perturbador que mezcla el giallo con lo sobrenatural. Finalmente, Kuroneko (1968) reinterpreta la figura del gato negro en clave de leyenda japonesa: dos mujeres violadas y asesinadas por soldados regresan como espíritus felinos para vengarse de los hombres, en un relato que combina lo espectral con una fuerte carga poética y crítica social.
Así, mientras que en Poe el gato es la encarnación de la culpa y la inevitable justicia moral, en el cine clásico estadounidense se transforma en un recurso simbólico y atmosférico para explorar lo oculto o el misterio, en Fulci adquiere un carácter de fuerza oscura que conecta con el terror europeo, y en Kuroneko se convierte en una representación del rencor y la justicia sobrenatural desde una tradición cultural distinta. En todos los casos, lo que persiste es la idea de que lo aparentemente cotidiano —un animal, una casa, una sombra— puede convertirse en vehículo de horror, ya sea a través de la mente perturbada del hombre, de tensiones humanas irresueltas o de poderes sobrenaturales que trascienden lo racional.
En el folklore haitiano, un zombi ( en francés : zombi ; en criollo haitiano : zonbi ) es un cadáver animado que se levanta por medios mágicos, como la brujería.
La palabra inglesa "zombie" se registró por primera vez en 1819, en una historia de Brasil del poeta Robert Southey, como "zombi", refiriéndose en realidad al líder rebelde afrobrasileño llamado Zumbi y a la etimología de su nombre en "nzambi". El Oxford English Dictionary atribuye el origen de la palabra a África Central y la compara con las palabras congoleñas "nzambi" (dios) y "zumbi" (fetiche). Un diccionario kimbundu-portugués de 1903 define la palabra relacionada nzumbi como alma, mientras que un diccionario posterior la define como un "espíritu que se supone que vaga por la tierra para atormentar a los vivos".
No está del todo claro cómo las criaturas de las películas contemporáneas de zombis llegaron a llamarse "zombies". La película La noche de los muertos vivientes (1968) no hizo referencia oral a sus antagonistas no muertos como "zombies", describiéndolos en cambio como "necrófagos" (aunque los necrófagos, que derivan del folclore árabe, son demonios, no no muertos). Aunque George A. Romero utilizó el término "necrófago" en sus guiones originales, en entrevistas posteriores utilizó el término "zombie". Romero utiliza la palabra "zombie" exclusivamente en el guión de su secuela El amanecer de los muertos (1978), incluso una vez en el diálogo. Según Romero, los críticos de cine influyeron en la asociación del término "zombie" con sus criaturas, especialmente la revista francesa Cahiers du Cinéma. Finalmente aceptó este vínculo, aunque en ese momento seguía convencido de que los "zombis" correspondían a los esclavos no muertos del vudú haitiano, como se representa en White Zombie con Bela Lugosi.
En el folklore haitiano, un zombi ( en francés : zombi ; en criollo haitiano : zonbi ) es un cadáver animado que se levanta por medios mágicos, como la brujería.
La palabra inglesa "zombie" se registró por primera vez en 1819, en una historia de Brasil del poeta Robert Southey, como "zombi", refiriéndose en realidad al líder rebelde afrobrasileño llamado Zumbi y a la etimología de su nombre en "nzambi". El Oxford English Dictionary atribuye el origen de la palabra a África Central y la compara con las palabras congoleñas "nzambi" (dios) y "zumbi" (fetiche). Un diccionario kimbundu-portugués de 1903 define la palabra relacionada nzumbi como alma, mientras que un diccionario posterior la define como un "espíritu que se supone que vaga por la tierra para atormentar a los vivos".
No está del todo claro cómo las criaturas de las películas contemporáneas de zombis llegaron a llamarse "zombies". La película La noche de los muertos vivientes (1968) no hizo referencia oral a sus antagonistas no muertos como "zombies", describiéndolos en cambio como "necrófagos" (aunque los necrófagos, que derivan del folclore árabe, son demonios, no no muertos). Aunque George A. Romero utilizó el término "necrófago" en sus guiones originales, en entrevistas posteriores utilizó el término "zombie". Romero utiliza la palabra "zombie" exclusivamente en el guión de su secuela El amanecer de los muertos (1978), incluso una vez en el diálogo. Según Romero, los críticos de cine influyeron en la asociación del término "zombie" con sus criaturas, especialmente la revista francesa Cahiers du Cinéma. Finalmente aceptó este vínculo, aunque en ese momento seguía convencido de que los "zombis" correspondían a los esclavos no muertos del vudú haitiano, como se representa en White Zombie con Bela Lugosi.
Stalker (en ruso: Сталкер; conocida en algunos países de habla hispana como La Zona) es una película soviética de ciencia ficción de 1979 dirigida por Andréi Tarkovski. Está basada parcialmente en el libro Picnic extraterrestre de los hermanos Arkadi y Borís Strugatski.
Stalker significa «acechador». El uso del vocablo inglés proviene de su empleo frecuente en el libro original de los hermanos Strugatski, que sitúa la acción en Canadá.
La película describe el viaje de tres hombres a través de un lugar postapocalíptico conocido como «la Zona», donde buscan una habitación que tiene la capacidad de cumplir los más recónditos deseos de una persona. Está protagonizada por Aleksandr Kaidanovski en el papel de Stalker, quien guía a los otros dos hombres: el Escritor, interpretado por Anatoli Solonitsyn, y el Profesor, interpretado por Nikolái Grinkó. Alisa Freindlich interpreta el papel de la esposa de Stalker.
Este film nos muestra la estética de Tarkovski con tomas largas, intensamente elaboradas, intercaladas con diálogos y poemas filosóficos.
Stalker ha sido llamada una de las mejores películas dramáticas de la segunda mitad del siglo XX y ocupa el puesto 29 en la encuesta "Las 50 mejores películas de todos los tiempos" del British Film Institute.
En el folklore haitiano, un zombi ( en francés : zombi ; en criollo haitiano : zonbi ) es un cadáver animado que se levanta por medios mágicos, como la brujería.
La palabra inglesa "zombie" se registró por primera vez en 1819, en una historia de Brasil del poeta Robert Southey, como "zombi", refiriéndose en realidad al líder rebelde afrobrasileño llamado Zumbi y a la etimología de su nombre en "nzambi". El Oxford English Dictionary atribuye el origen de la palabra a África Central y la compara con las palabras congoleñas "nzambi" (dios) y "zumbi" (fetiche). Un diccionario kimbundu -portugués de 1903 define la palabra relacionada nzumbi como alma, mientras que un diccionario kimbundu-portugués posterior la define como un "espíritu que se supone que vaga por la tierra para atormentar a los vivos".
No está del todo claro cómo las criaturas de las películas contemporáneas de zombis llegaron a llamarse "zombies". La película La noche de los muertos vivientes (1968) no hizo referencia oral a sus antagonistas no muertos como "zombies", describiéndolos en cambio como "necrófagos" (aunque los necrófagos, que derivan del folclore árabe, son demonios, no no muertos). Aunque George A. Romero utilizó el término "necrófago" en sus guiones originales, en entrevistas posteriores utilizó el término "zombie". Romero utiliza la palabra "zombie" exclusivamente en el guión de su secuela El amanecer de los muertos (1978), incluso una vez en el diálogo. Según Romero, los críticos de cine influyeron en la asociación del término "zombie" con sus criaturas, especialmente la revista francesa Cahiers du Cinéma. Finalmente aceptó este vínculo, aunque en ese momento seguía convencido de que los "zombis" correspondían a los esclavos no muertos del vudú haitiano, como se representa en White Zombie con Bela Lugosi.
Phase IV es una película de terror y ciencia ficción de 1974 dirigida por el diseñador gráfico y cineasta Saul Bass, con guión de Mayo Simón, inspirada en el cuento de H. G. Wells de 1905 "El imperio de las hormigas". La película está protagonizada por Michael Murphy, Nigel Davenport y Lynne Frederick.
Los interiores se rodaron en los estudios Pinewood de Inglaterra y los exteriores en Kenia, aunque la película se ambienta en el desierto de Arizona, Estados Unidos. Fue producida por Alced Productions y Paramount Pictures.
La película fue un fracaso de taquilla y, por lo tanto, el único largometraje dirigido por Bass. Desde entonces, se ha convertido en una película de culto gracias a sus emisiones televisivas a partir de 1975 y a su proyección en el Mystery Science Theater 3000 durante la era KTMA.
Una novelización del guion, escrita por Barry N. Malzberg, se publicó con el título de Phase IV en noviembre de 1973.
Barry Lyndon es una película angloamericana dramática-histórica de 1975 escrita y dirigida por Stanley Kubrick y protagonizada por Ryan O'Neal, Marisa Berenson, Patrick Magee y Hardy Krüger. Está basada en la novela La suerte de Barry Lyndon de William Makepeace Thackeray, publicada en 1844.
La cinta describe las desventuras ficticias de un estafador irlandés durante el siglo XVIII, y está ambientado en parte durante la Guerra de los Siete Años, período que fue abordado con una mirada realista y cruda. Los exteriores fueron rodados en diversas localizaciones de Irlanda, Inglaterra y Alemania. El cineasta Martin Scorsese citó a Barry Lyndon como la mejor película dentro de su género, y su película favorita de Kubrick, sirviendo de inspiración para su famoso film La edad de la inocencia.
Algunas citas del guión de esta película han aparecido en otras obras cinematográficas tan dispares como Los duelistas de Ridley Scott, La edad de la inocencia del propio Scorsese, Rushmore de Wes Anderson y Dogville de Lars von Trier.
Serguéi Mijáilovich Eisenstein (Riga, 22 de enero de 1898 - Moscú, 11 de febrero de 1948) fue un director de cine y teatro soviético de religión judía. Su innovadora técnica de montaje sirvió de inspiración para el cine posterior.
Sus ideales comunistas lo condujeron en varias ocasiones a conflictos con funcionarios del gobierno soviético. Stalin era consciente del poder del cine como medio de propaganda, y consideró a Eisenstein como una figura controvertida. Su popularidad se profundizó más tarde con el éxito de sus películas, entre ellas El acorazado Potemkin (1925), calificada una de las mejores películas de todos los tiempos.
Sus ensayos literarios cinematográficos y sus dotes como orador, teniendo en cuenta que hablaba además alemán, inglés y francés, hizo que ejerciera una gran influencia sobre la teoría cinematográfica de la época.
Sergei Eisenstein es uno de los cineastas soviéticos más reputados e importantes de la historia del cine, un pionero bautizado para la posteridad como el padre del montaje moderno. Su figura es de indiscutible relevancia al ser quien construyó parte de las bases del lenguaje y narrativa cinematográfica, gracias a su teoría —y práctica— del montaje de atracciones, un concepto clave sobre el que reposa (casi) todo lo que hoy aún se aplica al medio.
Con Eisenstein, el montaje se convertiría en el arte de editar los cortes de un metraje para que cautive y moldee la atención del espectador, ignorando así la típica secuencia cronológica que prosperaba en el cine mudo.
The Man Who Wasn't There —titulada El hombre que nunca estuvo allí es una película neo-noir de 2001 escrita, dirigida, producida y montada por los hermanos Coen. La película estuvo protagonizada por Billy Bob Thornton, acompañado por Frances McDormand, James Gandolfini, Michael Badalucco, Tony Shalhoub, Scarlett Johansson, Jon Polito y Richard Jenkins. Fue coproducida de forma independiente a través de productoras estadounidenses y británicas.
La filmación comenzó el 26 de junio del año 2000 en California y finalizó el primero de septiembre, tras diez semanas de rodaje. Parte importante de la filmación se llevó a cabo durante un día en la ciudad de Orange, que se usó para representar los exteriores del pueblo de Santa Rosa, donde se ambienta la mayor parte de la película.
John Ford (Cape Elizabeth, Maine, 1 de febrero de 1894 - Palm Desert, California, 31 de agosto de 1973) —bautizado como John Martin Feeney y que comenzó su carrera cinematográfica con el nombre de Jack Ford— fue un actor, director y productor cinematográfico estadounidense, cuatro veces ganador del Premio Óscar. Con una carrera profesional de más de 50 años, en la que participó en casi todas las facetas del arte cinematográfico antes de dedicarse a la dirección, Ford dirigió más de 140 películas, muchas de ellas de cine mudo, y está ampliamente considerado uno de los cineastas más importantes e influyentes de su generación. Cineastas como Ingmar Bergman y Orson Welles lo consideraban uno de los grandes directores de cine de todos los tiempos.
Fue también marino y militar. Participó en la Segunda Guerra Mundial como oficial de los servicios cinematográficos de la Armada de los Estados Unidos y fue herido en combate durante la batalla de Midway. Tras el final de la guerra continuó siendo reservista, colaboró en la realización de documentales durante la guerra de Corea y la de Vietnam y alcanzó el grado de contraalmirante.
Akira Kurosawa (黒澤 明 Kurosawa Akira, (Shinagawa, 23 de marzo de 1910 - Setagaya, 6 de septiembre de 1998) fue uno de los más célebres directores de cine de Japón. Sugata sanshirô (La leyenda del gran Judo) (1943) fue su ópera prima y su filmografía consta de 30 películas, rodadas a lo largo de cinco décadas, que incluyen influyentes títulos como Rashōmon (1950), Shichinin no samurai (Los siete samuráis) (1954), Dersu Uzala (El cazador) (1975) o Ran (Caos) (1985).
Calificado por el director Steven Spielberg como "el Shakespeare del cine contemporáneo" durante su trayectoria fue premiado en festivales como Berlín, Venecia, Cannes o Moscú y reconocido en ceremonias como los BAFTA o los premios Óscar que, en 1990, le otorgaron el Óscar honorífico por su trayectoria.
Hiroshi Inagaki (稲垣浩 Inagaki Hiroshi) Tokio, 30 de diciembre de 1905 - Tokio, 21 de mayo de 1980) fue un director de cine japonés, conocido por su trilogía Samurái y el filme El hombre del carrito, ganadora en el Festival Internacional de Cine de Venecia 1958.
Fue hijo de un actor ambulante, y desde muy joven se dedicó al teatro. Llevó una vida errante, después de quedarse huérfano a los 9 años.
Entró en la productora Nikkatsu comenzando como actor, en la película Yoru dirigida por Mizoguchi en 1923. Poco después fue nombrado director por la productora.
En 1928 dirigió su primera película, La reina de la paz. Hizo muchas jidaigeki (películas del género épico) y varias películas en tres partes, además de adaptaciones literarias como El paso del gran Bodhisattva.
Durante la Segunda Guerra Mundial filmó La vida de Muhomatsu, de la cual hizo posteriormente la versión ganadora en el Festival Internacional de Cine de Venecia en 1958, El hombre del carrito.
Su obra más conocida es la Trilogía Samurái basada en la novela de Eiji Yoshikawa.
The Deer Hunter (en Hispanoamérica, El francotirador; en España, El cazador) es una película bélica, dramática y épica británico-estadounidense de 1978, dirigida por Michael Cimino y protagonizada por Robert De Niro, Christopher Walken y Meryl Streep. Además de ser galardonada con cinco premios Óscar, incluyendo el premio a mejor película, la película está considerada como una de las 100 mejores de la historia del cine estadounidense por el American Film Institute.
Tres amigos, amantes de la caza y que trabajan como obreros en una fábrica de fundición de acero de Pennsylvania, pasan juntos las últimas horas antes de despedirse para ir a luchar como voluntarios a la guerra de Vietnam, un conflicto bélico que les cambiará a todos la vida para siempre.
Mississippi Burning (en español: Mississippi en llamas o Arde Mississippi) es una película estadounidense dramática de 1988, dirigida por Alan Parker. Es protagonizada por Gene Hackman, Willem Dafoe, Frances McDormand, Brad Dourif, Michael Rooker, Stephen Tobolowsky y R. Lee Ermey. La película está inspirada en una historia real, concretamente en el asesinato de activistas pro derechos civiles, que ocurrió en 1964.
La carretera (de título original The Road) es una película dramática apocalíptica estrenada en 2009, dirigida por John Hillcoat y escrita por Joe Penhall. Basada en la novela homónima de 2006 del estadounidense Cormac McCarthy, la película protagonizada por Viggo Mortensen y Kodi Smit-McPhee retrata a un padre y a su hijo en un desierto post-apocalíptico. El rodaje tuvo lugar en Pensilvania, Luisiana y Oregón. La película tuvo un lanzamiento limitado en los cines de EE. UU. a partir del 25 de noviembre de 2009 y fue lanzada en los cines del Reino Unido el 4 de enero de 2010.