En este episodio hablo con Cristina Garrido, artista visual que investiga críticamente cómo funcionan los sistemas de visibilidad, valor y legitimación en el arte contemporáneo.
Conversamos sobre cómo comenzó su interés por el sistema del arte y cómo el contexto transforma la lectura de una obra. Analizamos la percepción del valor y el papel de museos, galerías e instituciones como agentes que validan las obras de arte.
También reflexionamos sobre cómo han cambiado los espacios donde descubrimos el nuevo arte, del museo al feed de Instagram o las ferias internacionales, y qué retos plantea para los artistas hoy.
Hablamos de su proyecto The (Invisible) Art of Documenting Art, donde pone en valor a quienes trabajan detrás de las obras.
También comentamos los procesos de legitimación que atraviesan las carreras de los artistas: premios, convocatorias, representación en galerías, exposiciones en instituciones...y la presión por definirse cómo artista y dedicarse 100% a ello.
Esto nos lleva a hablar sobre El mejor trabajo del mundo, centrado en artistas que abandonaron la profesión y la obsesión por lo “nuevo”, la figura del artista emergente y la necesidad de un sistema más sostenible.
Cerramos hablando de su nueva exposición Cristina Garrido. The White Cube is Never Empty, EUROPALIA ESPAÑA en el MACS de Bélgica.
Cristina Garrido (1986, Madrid, España) es una artista visual cuya obra examina críticamente las estructuras que definen y legitiman el arte contemporáneo mediante estrategias de ironía, camuflaje y desplazamiento. Se formó en la UCM, Camberwell College of Arts y Wimbledon College of Art. Su trabajo se ha presentado en instituciones internacionales y forma parte de colecciones como MACBA, CA2M, The British Museum y TBA21.
Hoy me acompaña Vicente Matallana, director de la NewArt {foundation;} y el recientemente inaugurado New Art Centre en Reus.
Hablamos sobre el New Art Centre, un espacio concebido como un organismo vivo que desdibuja los límites entre sala de exposición, almacén y laboratorio. Vicente nos explica la exposición inaugural Hello World! y el porqué de fundar un centro de estas características.
Abordamos cómo ha evolucionado el término de arte vinculado al medio de Internet y cómo él utiliza el concepto arte, ciencia, tecnología y sociedad. También me explica las primeras ediciones del Premio ARCO-BEEP y en cómo este nuevo tipo de arte ha traído consigo una transformación del coleccionismo, más proactivo, orientado a la producción y apoyo a los artistas.
Reflexionamos también sobre cómo más del 70% de las obras de arte tecnológico se han perdido por la complejidad de su conservación y sobre el papel que desempeña hoy la fundación a través de su equipo especializado y su sistema de almacén.
Cerramos la conversación hablando del apoyo a la producción de obra contemporánea y de su visión sobre los NFT y la inteligencia artificial como herramienta de creación.
Hoy hablo con Mònica Ramon, codirectora de Artur Ramon Art y vicepresidenta de Galeries d’Art de Catalunya (GAC), para profundizar en la labor que desarrolla la asociación.
Hablamos sobre la misión de GAC, la importancia de poner en valor el trabajo de las galerías, la necesidad de dar a conocer el trabajo de las galerías más allá de Barcelona y el papel fundamental de educar al público para perder el miedo a entrar en una galería. También hablamos sobre la Noche del Galerismo y los Premios GAC que reconocen y celebran la riqueza del tejido artístico y cultural de Cataluña.
Hablamos sobre la Setmana de l’Art a Catalunya, que tendrá lugar del 27 de noviembre al 5 de diciembre de 2025. Este año la programación se articula alrededor de un único hilo conductor: el color amarillo. Reúne más de cincuenta actividades en galerías de Cataluña, inauguraciones, exposiciones, coloquios, talleres, itinerarios y muchas otras propuestas, con el objetivo de acercar el arte moderno y contemporáneo de todo el territorio.
En este episodio me acompaña Sara Torres Sifón, directora de PAC (Plataforma de Arte Contemporáneo), pera hablar sobre la plataforma y su misión de acercar el arte contemporáneo a todo el mundo.
Hablamos de quiénes son los lectores de PAC y de la labor que realizan para dar visibilidad a galerías, exposiciones y artistas emergentes. Comentamos la necesidad de descentralizar la oferta cultural y cubrir lo que está sucediendo más allá de Madrid y Barcelona porque existe una oferta cultural muy interesante que merece mayor atención mediática.
Comentamos su libro ¿Se puede sobrevivir al arte contemporáneo? y hablamos de los consejos que dan para orientarse en el sector: cómo navegar por ferias y convocatorias, las buenas prácticas y por qué el networking es tan importante.
También debatimos sobre la famosa y dañina expresión “por amor al arte” y cómo contribuye a perpetuar la precariedad en el sector.
Por último, hablamos sobre la producción de proyectos desde PAC.
Hoy me acompaña Pedro Oliveira da Costa, General Manager del MOCO Museum Barcelona, para hablar de su modelo de museo y su misión de acercar el arte al gran público.
Hablamos sobre cómo surgió el proyecto y por qué eligieron Barcelona como una de sus sedes. También comentamos cómo se consigue el equilibrio entre ser un destino visualmente atractivo y ofrecer una visita con contenido y rigor así como la relación del museo con los artistas locales y el rol que tiene un general manager en todo ello.
Recorremos la colección que reúne nombres como Basquiat, Banksy, Yayoi Kusama, KAWS, Warhol o Haring, y debatimos sobre la idea de ser museo de arte accesible que busca conectar con las nuevas generaciones.
MOCO Museum se inauguró en el Palau Cervelló del Born en Barcelona en 2021. Recibe al año más de medio millón de visitantes y junto con sus sedes en Amsterdam y Londres se ha convertido en un fenómeno en redes sociales.
Hoy me acompaña Antònia Maria Perelló, directora de la Fundació Miró Mallorca, para hablar sobre el papel que desempeña la institución hoy. Repasamos sus distintos espacios y cómo dialogan con la obra y el legado de Miró. Conversamos sobre las nuevas exposiciones temporales, la Colección y la muestra Paysage Miró, además del momento especialmente activo que vive la escena artística de Palma.
Antònia Maria nos explica también cómo ha impulsado el programa Amics de la Fundació y su voluntad por implicar más a la comunidad local en las actividades de la fundación. Por último, repasamos los retos que supuso asumir la dirección y su trayectoria previa como jefa de la Colección del MACBA.
Hoy me acompaña por segunda vez el artista multidisciplinar Ivan Forcadell (Alcanar, 1993) para hablar sobre qué significa ser artista hoy y comentar su nueva exposición "No título" de la galería SELTZ by Ritter Ferrer (hasta el 15 de noviembre de 2025).
La conversación se grabó en directo en la galería en el marco de Barcelona Gallery Weekend, un evento anual que da el pistoletazo de salida a la temporada de arte de la ciudad. Las galerías de arte de Barcelona abren sus puertas de forma simultánea para mostrar el trabajo de artistas nacionales e internacionales.
Ivan nos explica su manera de crear, su inspiración, cómo gestiona su carrera profesional así como su relación con el mercado del arte.
Hoy me acompaña Ana Belén Muñoz, Head Registrar del Victoria and Albert Museum (V&A) de Londres, para hablar de una figura clave en los museos pero poco conocida por el gran público: el departamento de registro.
Ana nos explica en qué consiste su trabajo y cómo varía según el tamaño de la institución. En el caso del V&A, nos centramos en la gestión de préstamos a otras instituciones: cómo se decide si una obra se presta o no, qué protocolos se siguen y cómo se organiza todo el proceso. El museo presta una media de 800 piezas a 100 instituciones al año.
También hablamos sobre el propio V&A, su funcionamiento y la reciente apertura del V&A East Storehouse, un espacio que pone en valor la importancia del almacenaje y las profesiones que lo hacen posible. Cerramos la conversación hablando sobre la formación necesaria para ser registrar y las cualidades que se necesitan para destacar en esta profesión.
Hoy me acompaña Pedro Marín Boza, autor de Galerías de arte: conceptos, historias y otras particularidades, para hablar sobre las galerías de arte.
Comentamos qué es una galería y cómo su función va mucho más allá de la venta: adquiere, conserva, investiga, comunica y exhibe. Repasamos el origen de la profesión a finales del siglo XIX, las innovaciones de Durand-Ruel con los impresionistas y la evolución hasta el “cubo blanco” actual.
Hablamos de la falta de formación, la necesidad de profesionalizar el sector y la importancia de distinguir al galerista del comerciante.
Además, le pregunto a Pedro sobre cómo las galerías guían la construcción de colecciones y facilitan el acceso de personas interesadas en adquirir una obra de arte.También subrayamos que la galería forma parte de una industria, con artistas, instituciones, coleccionistas, residencias y muchos más, que necesita apoyo para que el ecosistema del arte funcione.
Como dice el libro, “si no existiesen las galerías, habría que inventarlas”.
hoy me acompaña Manu Expósito, coleccionista con casi 30 años de experiencia y una mirada muy cercana y accesible sobre el coleccionismo. Hablamos de su primera adquisición y de cómo, desde entonces, ha construido una colección ecléctica que recorre desde los años 50 hasta hoy, incluyendo arte pop, street art, hiperrealismo y piezas conceptuales. Actualmente apuesta y apoya a artistas emergentes y de media carrera nacionales.
Conversamos sobre lo que tienen en común muchas de las obras de su colección, el valor de conocer personalmente a los artistas, y su pasión por conocer nuevas obras tanto en ferias como galerías y online. Manu también comparte cómo intenta involucrar a amigos, familia y gente interesada en el arte para que se sientan cómodos y pierdan el miedo al mundo del arte y el coleccionismo.
UManu es un ejemplo de que se puede coleccionar desde la emoción, el compromiso y las ganas de hacer cosas nuevas. Ojalá esta conversación anime a muchos a dar el primer paso.
En este episodio hablo con Xavier Franquesa, director y fundador de Il·lacions, la primera galería de diseño coleccionable de Barcelona. Hablamos sobre qué significa exactamente este término, que combina la funcionalidad y arte.
Xavier nos cuenta cómo nació la galería, que hoy representa a más de 70 artistas y diseñadores con un vínculo directo con la ciudad de Barcelona —ya sea porque viven, han estudiado o trabajan aquí—, compartiendo un ADN barcelonés.
Exploramos también el panorama internacional del diseño, desde ferias como Design Miami hasta la diferencia con la feria de Milán, y mencionamos nombres clave como la galería Carpenters Workshop, que han ayudado a consolidar este mercado. Hablamos del papel de Instagram y de cómo las nuevas generaciones están impulsando este boom del diseño coleccionable.
Debatimos sobre el riesgo de las copias, la importancia de educar la mirada y cómo empezar una colección puede ser mucho más accesible de lo que se piensa —hay piezas para todos los bolsillos. Finalmente, repasamos algunos de los artistas que forman parte de Il·lacions, como Antoni Arola, Max Enrich o Eliurpi.
Hoy hablo con Patricia Fernández Lorenzo, Socia Of Counsel en Derecho del Arte en Ramón y Cajal Abogados, sobre el fascinante mundo de las restituciones de obras de arte, donde el derecho, la historia y la investigación se cruzan.
Empezamos por entender qué es una restitución y qué requisitos deben cumplirse para que una obra pueda ser devuelta: procedencia, trazabilidad, documentación y contexto histórico.
Hablamos sobre el expolio sistemático de obras durante el régimen nazi y en los principios del Acuerdo de Washington. Comentamos casos emblemáticos como la Dama de Oro de Klimt y el conflicto Cassirer v. Fundación Colección Thyssen-Bornemisza. Patricia también comparte un caso en el que ha trabajado directamente: la restitución de una obra del Museo de Pontevedra a Polonia.
También hablamos de las incautaciones durante la Guerra Civil española y cómo se están gestionando hoy en día. Cerramos el episodio con el debate sobre las restituciones entre Estados y el caso de los frisos del Partenón.
Hoy me acompaña Jordi Bohigas, director de Piramidón, Centre d’Art Contemporani, un espacio híbrido entre galería de arte y fábrica de creación de Barcelona.
Hablamos de su creación en 1990, de cómo funciona su sistema de residencias y por qué es tan importante que existan este tipo de programas para acompañar y apoyar a los artistas.
Conversamos también sobre su programa de fidelización de socios, el valor de crear comunidad en torno al arte y la gran labor de apertura y divulgación que realizan.
Este episodio lo grabamos durante una comida muy especial: las “Paellas con Piramidón”, un encuentro informal donde artistas residentes, equipo y visitantes se reúnen para compartir conversación, arte y comunidad.
Hoy hablamos con Tonina Cerdà, jefa de Programas Públicos del Museu Picasso de Barcelona. Un departamento transversal del que dependen educación y actividades, y que pone al visitante en el centro.
Tonina nos cuenta cómo se articula el programa público con el discurso curatorial, qué cosas no entran en la exposición pero sí pueden contarse desde las actividades, y cómo generar experiencias dentro y fuera del museo.
Hablamos de accesibilidad, señalética, flujos, turistas y públicos locales. De hacer del museo un lugar cómodo, amable y sorprendente.
Comentamos iniciativas como Picasso Convida, el programa de Amigos del Museo y el nuevo Premi Sabartés.
Hoy me acompaña Claudia Segura, jefa de la Colección MACBA, para hablar sobre como se gestiona, cuida y comparte la colección del museo hoy.
Claudia nos explica cómo se formó la Colección del museo, cómo funciona el consorcio público-privado que la sostiene y cuál es el proceso detrás de las adquisiciones. También hablamos sobre el carácter transversal de su trabajo y la importancia de colaborar con distintos equipos dentro del museo para preservar, divulgar y activar la colección.
Conversamos además sobre la exposición del 30 aniversario del MACBA, los retos de conmemorar una institución y cómo se está planteando la futura ampliación del museo, con el objetivo de hacerlo más más abierto y acogedor.
Finalmente, Claudia comparte consejos y aprendizajes para quienes quieren trabajar como comisarios o dentro de un museo de arte contemporáneo.
Hoy me acompaña Maria Güell, diseñadora de iluminación, fundadora de La Invisible Studio y directora artística del festival Llum BCN, para hablar del arte lumínico.
Recorremos su trayectoria profesional, desde el diseño lumínico hasta el arte contemporáneo, y reflexionamos sobre el poder semiótico de la luz, su capacidad para transformar entornos y alterar nuestros estados de ánimo.
Hablamos de light art, de referentes como James Turrell o Bruce Nauman, y de cómo la luz se convierte en el eje de obras que desafían los límites de la percepción.
También abordamos cómo experimentamos la iluminación en lo cotidiano: en nuestras casas, en las ciudades, y la importancia de educar la mirada para entender la luz como una dimensión tanto estética como funcional.
En la segunda parte del episodio, nos centramos en Llum BCN, el festival de arte lumínico que cada año llena el barrio del Poblenou de instalaciones y propuestas que dialogan con el espacio urbano. Maria nos habla de su trabajo como directora artística, del valor de los proyectos site-specific y del papel fundamental que juega la tecnología en la creación de estas obras.
Hoy me acompaña María Sancho-Arroyo, experta en el mercado del arte con más de treinta años de experiencia, para hablar de su libro "¿Inversión o Pasión? Una guía para navegar el mercado del arte".
Exploramos las diferencias clave entre el mercado del arte y otros mercados, y desglosamos cómo funcionan las galerías, casas de subastas y ferias. También abordamos qué factores, tanto objetivos como subjetivos, determinan el precio de una obra, más allá de la oferta y la demanda.
María comparte consejos para comprar una obra de arte, reflexiona sobre la política de no publicar precios en galerías o ferias. También nos guía por el mundo de las subastas, explicando conceptos financieros poco conocidos como las "garantías" y el "martillo compartido".
Finalmente, hablamos sobre la importancia de las ferias en el ecosistema artístico y exploramos diferentes formas de inversión en arte.
Hoy me acompaña Pol Casellas Manrubia, arquitecto y divulgador cultural, para hablar del urbanismo de Barcelona.
Más de 67mil personas en Instagram siguen los vídeos de Pol en los que explica curiosidades e historias urbanísticas y arquitectónicas de Barcelona. Sus vídeos sobre la historia del barrio del Eixample, los trenes, los edificios desaparecidos y los cambios urbansticos se han hecho virales y han ayudado a reivindicar la ciudad.
Hoy hablamos sobre las transformaciones urbanísticas que más han impactado a Barcelona: el Eixample, las Olimpiadas y los ejes verdes. Pol nos refuta la frase de "los barceloneses viven de espaldas al mar" y explica como desde siempre el mar ha formado parta de la ciudad. Por último, comentamos las posibilidades urbanstícas que se podrían aplicar y así generar "ideas de ciudad".
La conversación la grabamos en el antiguo estudio del famoso y prolífico arquitecto Enric Sagnier (1858-1931). Muchísimas gracias Hotel Casa Sagnier por cedernos la Gran Suite.
Hoy me acompaña Ángeles Alonso-Misol, responsable de Prensa y Comunicación de Turismo de Bélgica: Flandes y Bruselas, para hablar de la celebración del Año Ensor y del turismo cultural.
Gracias a VisitFlanders tuve la oportunidad de visitar Amberes y ver las cuatro magníficas exposiciones que participan en la conmemoración del Año Ensor en Amberes. En 2024 se celebran los 75 años del fallecimiento del gran pintor flamenco James Ensor.
Ángeles nos explica en qué consiste el "Año Ensor", qué exposiciones podemos visitar en las ciudad de Amberes y cómo se ha organizado esta celebración. También comentamos la importancia que tiene el turismo cultural para la ciudad y que hacen desde la oficina de turismo para promocionar la ciudad y la región en el extranjero.
¡No os perdáis la oportunidad de visitar Amberes para el Año Ensor! Tenéis toda la información aquí
Hoy me acompañan Bernardo Pajares y Juanra Sanz, pareja, creadores del podcast arte compacto y trabajadores del Museo del Prado, para hablar del podcast, su nuevo libro "Pasiones creativas" y la perspectiva LGTBIQ+ en la historia del arte.
Bernardo y Juanra me acogieron en su casa y nos explican cómo ha sido escribir un libro y comentamos algunas de las 10 historias de amor, pasión y deseo que lo componen. Hablamos sobre la importancia de explicar y dar visibilidad a historias diversas y aportar una mirada queer a la historia del arte.
Finalmente, les pregunto por qué San Sebastián se ha convertido en un icono gay y comentamos la importancia de tener referentes LGTBIQ+, no solo para el colectivo sino para todo el mundo.