Mason Storm wurde in London, Großbritannien, geboren. Er hat nie eine traditionelle Kunstschule besucht.Seine künstlerische Ausbildung begann, als er etwa 12 oder 13 Jahre alt war. Eines Abends, als er das örtliche Jugendzentrum besuchte, wurde sein Judo-Kurs abgesagt, also nahm er an dem Kunstkurs teil, den sein Freund unterrichtete. Etwa 15 Jahre lang kam und ging er jeden Abend.Die Lehrer waren damals Studenten, die ihr Stipendium durch ihre Arbeit imZentrum aufbesserten, während sie ihre eigenen Werke schufen. Nach ihrem Abschluss an der Royal Academy of Arts, dem Royal College of Art und Central St. Martins wurden viele von ihnen zu führenden Persönlichkeiten der zeitgenössischen Kunstszene in Großbritannien.Die Kunst war schon immer seine Leidenschaft, aber Mason stellte sie zurück, um eine Karriere zu verfolgen, die weit von der Kunstwelt entfernt war. Er kann nicht alle Details seines beruflichen Werdegangs offenlegen, aber zu den wichtigsten Stationen gehören: Judo-/Selbstverteidigungslehrer, freiberuflicher Sicherheitsdienstleister, Sicherheitsberater / freiberuflicher Geheimdienstanalyst, Journalist mit den Schwerpunkten Geheimdienst, Spionage und Terrorismus sowie qualifizierter Rechtsanwalt mit akademischem Abschluss. Als Ablenkung begann Mason mit der Bildhauerei und wurde zur Teilnahme an einer Ausstellung eingeladen. Von da an kehrte er allmählich zur Kunst zurück. Es stellte sich heraus, dass ihm dies weit mehr Spaß machte als seine früheren Tätigkeiten.Masons Werke gelten als kontrovers und provokativ, aber er will niemals um der Provokation willen provozieren – hinter jedem Werk steckt immer ein Grund.Mason ist wahrscheinlich am besten für seine Maske bekannt. Sie ist zu einem Markenzeichen geworden, das seine Identität verbirgt und gleichzeitig ein Gefühl von Geheimnisvollheit vermittelt, was der Werbung und Promotion zugutekommt. Er begann sie zu tragen, als er 2010 ankündigte, das Gesicht des Künstlers Banksy in einem Ölgemälde zu enthüllen.

Mason Storm Mason Storm was born in London, United Kingdom. He never attended a traditional art school.His artistic training began when he was around 12 or 13 years old. One evening, while visiting the local youth center, his judo class was cancelled, so he joined the art class where his friend was teaching. For about 15 years, he came and went every night. The teachers at the time were students who supplemented their scholarships by working at the center while creating their own works. After graduating from the Royal Academy of Arts, the Royal College of Art, and Central St. Martins, many of them became leading figures in the contemporary art scene in the UK. Art has always remained his passion, but Mason put it aside while pursuing a career that was far removed from the art world. He cannot disclose every detail of his professional background, but the main stages include: judo/self-defense instructor, freelance security contractor, security consultant/freelance intelligence analyst, journalist specializing in intelligence, espionage, and terrorism, and a qualified lawyer with an academic degree. As a distraction, Mason started sculpting and was invited to participate in an exhibition. From then on, he gradually returned to art. It turned out to be far more enjoyable than his previous occupations. Mason’s work is seen as controversial and provocative, but he never aims to provoke for its own sake—there is always a reason behind each piece. Mason is probably best known for his mask. It has become a trademark that hides his identity while adding a sense of mystery, which helps with publicity and promotion. He began wearing it when, in 2010, he announced that he would reveal the face of the artist Banksy in an oil painting.

Fritz AntonGeboren 1996, lebt und arbeitet seit 2014 in Wien. Fritz Anton hat Architektur an der Technischen Universität in Wien studiet – ein Hintergrund, der unverkennbar seinen einzigartigen künstlerischen Stil prägt. Mit faszinierender Klarheit und gleichzeitig spielerischer Leichtigkeit verbindet er architektonische Präzision mit organischer Dynamik. Fritz Antons Werke besitzen eine unverwechselbare Handschrift, die sich in intuitiven, schwungvollen Linien entfaltet und erst bei genauer Betrachtung ihre geheimnisvollen Figuren und Geschichten preisgibt. Es ist, als ob man einem tänzerischen Dialog zwischen Kontrolle und Zufall zusieht: ein rhythmisches, nie endendes Wechselspiel, das seinen Bildern eine außergewöhnliche Lebendigkeit verleiht. Ganz bewusst überlässt er dabei einen Teil des Prozesses der Schwerkraft, wodurch reizvolle Tropfen und Farbverläufe entstehen, die jedem Werk eine ganz eigene Dynamik verleihen. Der besondere Charme seiner Kunst liegt in der tiefen und ehrlichen Verbindung, die Fritz Anton zu seinen Werken hat. Er schöpft aus einem reichen Fundus alltäglicher Beobachtungen und persönlicher Erfahrungen, die er intuitiv in seine Malerei einfließen lässt. Seine Bildsprache bewegt sich elegant zwischen subtiler Tiefe und verspielter Unmittelbarkeit, wodurch jedes Werk zu einem offenen Dialog mit dem Betrachter wird – immer wieder neu interpretierbar und dabei nie beliebig.

Fritz Anton Born in 1996, lives and works in Vienna since 2014. Fritz Anton studied architecture at the Technical University in Vienna - a background that unmistakably characterises his unique artistic style. With fascinating clarity and playful lightness, he combines architectural precision with organic dynamism. Fritz Anton's works have an unmistakable signature that unfolds in intuitive, sweeping lines and only reveals its mysterious figures and stories on closer inspection. It is as if you are watching a dancing dialogue between control and chance: a rhythmic, never-ending interplay that lends his pictures an extraordinary vitality. He deliberately leaves part of the process to gravity, creating charming drops and colour gradients that lend each work its very own dynamic. The special charm of his art lies in the deep and honest connection that Fritz Anton has to his works. He draws on a rich pool of everyday observations and personal experiences, which he intuitively incorporates into his painting. His visual language moves elegantly between subtle depth and playful immediacy, turning each work into an open dialogue with the viewer - always open to new interpretations and never arbitrary.

Wolfgang Gangl, geboren 1977 in Vasoldsberg bei Graz, gehört zu den prägenden und international renommiertesten Fotografen der zeitgenössischen österreichischen Fotoszene. Schon seit frühester Kindheit fasziniert von der Magie der Fotografie, entwickelt er einen unverwechselbaren Stil, der von klaren Linien, starken Hell-Dunkel-Kontrasten und minimalistischer Ästhetik geprägt ist. Gangls Arbeiten reflektieren seine Bewunderung für die Mode- und Porträtfotografie des 20. Jahrhunderts und überzeugen durch eine raffinierte Bildkomposition, die seine Leidenschaft für geometrische Formen und die subtile Schönheit der Reduktion widerspiegelt. Seine außergewöhnliche Bildsprache wurde weltweit mit zahlreichen renommierten Auszeichnungen gewürdigt, darunter der Titel „Europäischer Profifotograf des Jahres 2025“ der FEP (Federation of European Professional Photographers). Weitere bedeutende Ehrungen wie die „Golden Camera“ in Fine Art und Medaillen bei international anerkannten Wettbewerben wie dem Tokyo International Photo Award, Budapest International Photo Award, New York Photography Award und PX3 Prix de la Photographie Paris bestätigen seine Stellung als führende Stimme in der Kunstfotografie. Wolfgang Gangls Werke wurden international ausgestellt und begeistern durch ihre kraftvolle Klarheit und zeitlose Eleganz. Seine Fotografien laden die Betrachter dazu ein, die faszinierende Verbindung zwischen Licht, Form und Emotion neu zu entdecken und zeugen eindrucksvoll von seiner ungebrochenen Leidenschaft für die Kunst der Fotografie.

Wolfgang Gangl, born in Vasoldsberg near Graz in 1977, is one of the most influential and internationally renowned photographers on the contemporary Austrian photography scene. Fascinated by the magic of photography from an early age, he has developed a distinctive style characterised by clean lines, strong light-dark contrasts and minimalist aesthetics. Gangl's works reflect his admiration for 20th-century fashion and portrait photography and impress with their sophisticated composition, which reflects his passion for geometric forms and the subtle beauty of reduction.   His extraordinary visual language has been recognised worldwide with numerous prestigious awards, including the title of ‘European Professional Photographer of the Year 2025’ from the FEP (Federation of European Professional Photographers). Other significant honours, such as the ‘Golden Camera’ in Fine Art and medals at internationally recognised competitions such as the Tokyo International Photo Award, Budapest International Photo Award, New York Photography Award and PX3 Prix de la Photographie Paris, confirm his position as a leading voice in art photography.   Wolfgang Gangl's works have been exhibited internationally and inspire with their powerful clarity and timeless elegance. His photographs invite viewers to rediscover the fascinating connection between light, form and emotion and are impressive testimony to his unbroken passion for the art of photography.

Angelo Makula is a contemporary Austrian artist, born on November 5, 1959 in Salzburg. He lives and works as a freelance artist in Carinthia and Salzburg. Makula's art is characterised by stylistic diversity and reflects his conviction that the value of a work of art arises from the intellectual and creative richness of the artist. He sees his artistic diversity as a brush that transforms ideas and concepts into extraordinary works. His creative process is driven by a quest for diversity, which he sees as the norm, foundation and potential of his work. Makula draws inspiration from the endless variety of themes and stories in the world and translates them into artistic contexts. For him, art transcends the boundaries of reality and imagination and acts as a bridge between the two. He describes painting as an invisible melody in which colors are notes that evoke a world of emotions and impressions. For Makula, art is a gift to humanity that offers the freedom to transcend the boundaries of reality and explore the infinite possibilities of creative expression.

Angelo Makula ist ein zeitgenössischer österreichischer Künstler, geboren am 5. November 1959 in Salzburg. Er lebt und arbeitet als freischaffender Künstler in Kärnten und Salzburg. Makulas Kunst ist geprägt von stilistischer Vielfalt und spiegelt seine Überzeugung wider, dass der Wert eines Kunstwerkes aus dem geistig-schöpferischen Reichtum des Künstlers erwächst. Seine künstlerische Vielfalt sieht er als Pinsel, der Ideen und Konzepte in außergewöhnliche Werke verwandelt. Sein kreativer Prozess wird von einem Streben nach Vielfalt angetrieben, das er als Norm, Grundlage und Potenzial seiner Arbeit betrachtet. Makula lässt sich von der endlosen Vielfalt an Themen und Geschichten der Welt inspirieren und übersetzt sie in künstlerische Kontexte. Für ihn überschreitet die Kunst die Grenzen von Realität und Vorstellungskraft und fungiert als Brücke zwischen beiden. Er beschreibt die Malerei als eine unsichtbare Melodie, in der Farben Noten sind, die eine Welt voller Emotionen und Eindrücke hervorrufen. Für Makula ist die Kunst ein Geschenk an die Menschheit, das die Freiheit bietet, die Grenzen der Realität zu überschreiten und die unendlichen Möglichkeiten des kreativen Ausdrucks zu erkunden.

Rudi Benétik wurde am 16. Februar 1960 als Erstgeborener von vier Kindern der Arbeiterfamilie Romana und Franz Benetik im zweisprachigen Dorf Jaunstein/Podjuna im Süden Kärntens, Österreich, geboren. Von 1981 bis 1985 studierte er an der Akademie der Bildenden Künste in Ljubljana bei Andrej Jemec, Gustav Gnamuš und Bogdan Borčić. Er besuchte mehrmals die Internationale Sommerakademie der Bildenden Künste in Salzburg: 1982 studierte er Radierung bei Rudolf Hradil, 1983 Bildhauerei bei Markus Lüpertz und 1984 Szenografie bei Otto Piene. Inspiriert wurde Benétik durch zahlreiche ausgedehnte Studienreisen in Ländern wie Ägypten, Bhutan, Bosnien und Herzegowina, Dänemark, Frankreich, Italien, Kroatien, Libyen, Myanmar, Nepal, Polen, Slowakei, Slowenien, Spanien, Sudan, Tunesien, Türkei, Ungarn und USA.Seine Werke befinden sich in den Sammlungen renommierter Galerien und Museen in ganz Europa. Er lebt und arbeitet in Jaunstein und in Madruzzo in Norditalien. Bis zum Jahr 2024 hatte Rudi Benetik bereits über 70 internationale Einzelausstellungen, mehr als 60 Gruppenausstellungen und gewann 7 Kunstpreise. Seine Werke sind in 33 Sammlungen von USA bis Süd-Korea vertreten.

Rudi Benétik was born on 16 February 1960, as the first-born of fou children in the working-class family of Romana and Franz Benetik in the bilingual village of Jaunstein/Podjuna in southern Carinthia, Austria. From 1981nto 1985 he studied at the Academy of Fine Arts in Ljubljana with Andrej Jemec, Gustav Gnamuš and Bogdan Borcic. He attended the International Summer Academy of Fine Arts in Salzburg severals times: in 1982 he studied etching with Rudolf Hradil, in 1983 he studied sculpture with Markus Lüpertz, and in 1984 he studied scenography with Otto Piene. Benétik has been inspired by numerous extended study trips to countries such as Bhutan, Bosnia and Herzegovina, Croatia, Denmark, Egypt, France, Hungary, India, Italy, Libia, Myanmar, Nepal, Poland, Slovakia, Slovenia, Spain, Sudan, Tunisia, Turkey, and the USA. His works can be found in the collections of renowned galleries and museums throughout Europe.He lives and works in Jaunstein and in Madruzzo in Northern Italy. Till 2024 Rudi Bentik has already had over 70 international solo exhibitions, more than 60 group exhibitions and won 7 art prizes. His works are represented in 33 collections from the USA to South Korea.

Attilla Wittmer, geb.1990 in Luzern, lebt und arbeitet derzeit mehrheitlich in seinem Studio in Brooklin, NY und in Wien. In den Arbeiten von Attila Wittmer wird der Kopf zum zentralen Ausdrucksmittel, ein dynamisches, ständig veränderbares Gefäß für die ganze Bandbreite menschlicher Emotionen. Der Kopf ist dabei nie nur ein statisches Abbild, sondern vielmehr ein Symbol für den gesamten Körper, die ganze Welt, die ganze Existenz – durchzogen von Lust und Leid. Die Dringlichkeit, mit der Emotionen nach innen strömen oder nach außen explodieren, zeigt sich in seinen Zeichnungen als kathartischer Prozess, bei dem das Innenleben nach außen drängt, sei es durch Öffnungen, Risse oder Brüche. Es kotzt, splittert und platzt – ein visuelles Manifest des inneren Chaos. Für Attila Wittmer ist der Kopf nicht nur ein anatomisches Element, sondern ein Katalysator und Vermittler für Gefühle, die sonst keinen Ausdruck finden. Die Energie von Wut, Hass, Liebe und Ohnmacht wird durch das Papier kanalisiert, und die Linien und Farben wirken wie Ventile für unterdrückte oder überwältigende Emotionen. Diese Arbeit ist nicht nur ein Ausdruck persönlicher Katharsis, sondern auch eine ehrliche Auseinandersetzung mit universellen menschlichen Gefühlen, die uns alle betreffen. Sein Schaffen ist geprägt von einem intensiven Bedürfnis nach Authentizität und Direktheit – einer Konfrontation mit den oft verdrängten Facetten des menschlichen Seins. Indem er die Grenzen des Darstellbaren auslotet, entstehen Werke, die sowohl provokativ als auch zutiefst intim sind. Sie fordern den Betrachter auf, sich mit den dunklen, rohen und ungeschönten Aspekten des Lebens auseinanderzusetzen, während sie gleichzeitig die befreiende Kraft der künstlerischen Geste feiern. Die Zeichnung wird dabei zur Metapher für die unaufhörliche Bewegung von Gefühlen – sie kreischt, spritzt und fließt, und hinterlässt auf dem Papier Spuren eines Seelenzustands, der den Betrachter unmittelbar berührt.

Attilla Wittmer, born 1990 in Lucerne, currently lives and works mainly in his studio in Brooklin, NY and in Vienna. In Attila Wittmer's works, the head becomes the central means of expression, a dynamic, constantly changing vessel for the entire range of human emotions. The head is never just a static image, but rather a symbol for the entire body, the entire world, the entire existence - permeated by pleasure and suffering. The urgency with which emotions flow inwards or explode outwards is shown in his drawings as a cathartic process in which the inner life pushes outwards, be it through openings, cracks or fractures. It vomits, splinters and bursts - a visual manifesto of inner chaos. For Attila Wittmer, the head is not just an anatomical element, but a catalyser and mediator for feelings that would otherwise find no expression. The energy of anger, hate, love and powerlessness is channelled through the paper, and the lines and colours act as valves for suppressed or overwhelming emotions. This work is not only an expression of personal catharsis, but also an honest exploration of universal human feelings that affect us all. His work is characterised by an intense need for authenticity and directness - a confrontation with the often repressed facets of the human condition. By exploring the limits of what can be depicted, he creates works that are both provocative and deeply intimate. They challenge the viewer to confront the dark, raw and unembellished aspects of life, while at the same time celebrating the liberating power of the artistic gesture. The drawing becomes a metaphor for the incessant movement of emotions - it shrieks, splashes and flows, leaving traces on the paper of a state of mind that immediately touches the viewer.

Mirko Schneider, a talented Italian-Swiss artist, expresses a deep connection to nature in his works. With every brushstroke he makes his soul tangible and creates art that combines tradition and emotion in a unique way. His paintings are a tribute to the harmony between man and nature and invite the viewer to see the world through his eyes – full of respect, beauty and inner peace. Schneider’s works are characterised by gentle colour gradients and vibrant textures that capture the essence of the landscapes that surround him. His art is a window into a world imbued with the delicacy of nature and a deep understanding of its beauty.

Die Audio-Biografie des italienisch-schweizerischen Künstlers Mirko Schneider beschreibt seine künstlerische Philosophie. Seine Werke bringen Mirko Schneider`s tiefe Verbundenheit zwischen Mensch und Natur zum Ausdruck die eine einzigartige Mischung aus Tradition und Emotion darstellt. Seine Gemälde werden durch sanfte Farbverläufe und lebendige Texturen charakterisiert, welche die ihn umgebenden Landschaften einfangen. Oft verwendet er auch mystische Gesichter, Tiere und Engel, die jeweils tiefere symbolische Bedeutungen tragen, um eine spirituelle Verbindung zum Betrachter herzustellen. Zusammenfassend laden seine Arbeiten dazu ein, die Welt durch eine Brille der Harmonie und Spiritualität zu erfahren.

With ‘Saint or Sinner’, British artist Mason Storm has created one of his most provocative and controversial works. The painting depicts Donald Trump as a modern saint or condemned criminal in a convict's uniform on the execution bench, hovering between veneration and damnation. Storm combines the visual language of traditional icon painting with the directness of contemporary pop culture. The result is a work that raises questions about morality, religion, power and social double standards in equal measure. Precisely because ‘Saint or Sinner’ is so polarising, it has been picked up by the media worldwide and controversially discussed. Is it blasphemy – or a relentless reflection of our times? These areas of tension make the work an ideal starting point for a conversation about art, politics and the question of how we read images today.

Jan Bielinski`s works are characterised by a profound examination of urban living environments. He knows how to put seemingly ordinary everyday scenes in a new light, visualising both beauty and shortcomings. With his photographs, he manages to go beyond the boundaries of mere contrasts by adopting unusual perspectives and telling visual stories in the process. His camera becomes a tool for capturing the connection between the everyday and the extraordinary.

Bielinski`s Werke zeichnen sich durch eine tiefgründige Auseinandersetzung mit urbanen Lebenswelten aus. Er versteht es, scheinbar gewöhnliche Alltagsszenen in ein neues Licht zu rücken und dabei sowohl Schönheit als auch Unzulänglichkeiten sichtbar zu machen. Mit seinen Fotografien schafft er es, über die Grenzen bloßer Kontraste hinauszugehen, indem er ungewöhnliche Blickwinkel einnimmt und dabei visuelle Geschichten erzählt. Seine Kamera wird zu einem Werkzeug, um die Verbindung zwischen dem Alltäglichen und dem Außergewöhnlichen zu erfassen.

“He is one of the most exciting new discoveries in the international art scene: Taró Nordberg. An artist who, with his self-developed style – Nuevo Japanese – builds bridges between Far Eastern tradition and Western avant-garde. His works feel raw and yet poetic, uniting energy, myth, and an unmistakable signature. In this episode, we talk about his origins, his influences, and the special fascination his paintings evoke. Why Taró Nordberg will not for long considered as a insider tip – you’ll find out here.”

„Er ist eine der spannendsten Neuentdeckungen der schweizer Kunstszene: Taró Nordberg. Ein Künstler, der mit seinem Stil – dem von ihm selbst entwickelten "Nuevo Japanese" – Brücken schlägt zwischen fernöstlicher Tradition und westlicher Avantgarde. Seine Werke wirken roh und zugleich poetisch, sie vereinen Energie, Mythos und eine unverwechselbare Handschrift. In dieser Episode sprechen wir über seine Herkunft, seine Einflüsse und die besondere Faszination, die seine Bilder auslösen. Warum Taró Nordberg sicher nicht mehr lange ein Geheimtipp sein wird – das erfahren Sie hier.“

The artist, Tamara Riedel, born in Georgia and based in Switzerland, has developed a unique technique for working with concrete, often combining it with other materials such as copper and epoxy resin to create sculptures that impart a sense of apparent lightness and warmth from the cold material. A central theme of her work is female identity and self-determination, which she emphasises through the deliberate depiction of oversized breasts and vulvas, as well as sensual female faces. Her figures, often hybrid beings between human and animal or robotic, are deliberately ambiguous, provocative, and playful at the same time, frequently addressing existential and societal issues such as displacement, gender duality, or vulnerability in the modern world. Riedel’s international experience and her childhood in Soviet Georgia, shaped by monumental architecture and Soviet cartoons, strongly influence her ambivalent aesthetic and her fascination with concrete as a medium of artistic expression.