Daniel Schell est passionné de math et de musique. Il a fait des études d'ingénieur Civil (ULB) puis de Recherche Opérationnelle et Mathématiques appliquées (London School of Economics). Il a étudié la musique aux académies d’Ixelles, la guitare avec Olivier Morand, la flûte avec Octave Grillard. L’ harmonie et le solfège supérieur à Uccle, puis il étudie avec André Vandernoot et Ronald Zolman. Et enfin la Musique Indienne avec Ashok Pathak, Dhruba Ghosh, Harsh Wardhan, Pandit Jasraj et de nombreux maîtres.
Il commence à composer assez jeune et crée des opéras à partir de textes littéraires. Lors de sa rencontre avec Amélie Nothomb il a écrit “Hygiène de l’Assassin“(créé à Bruxelles en 1995, puis Opéra Royal de Wallonie, Février 2000) et “Les Combustibles” (Paris, 1997) et enfin “Le Sabotage Amoureux” (Opéra Royal de Wallonie, 2006). ‘Neige de Soleil’ sur poèmes et graphiques de Christian Dotremont, créé par Gregory Decerf, baryton, et Quatuor Tana, 2016, pour Théâtre Poème et Ars MusicaIl. Il prépare "Dharma in Big Sur" sur Jack Kerouac.
Il compose de nombreuses pièces, notamment : ‘Bavari’ Quatuor à cordes, co-écrit avec Pandit Jasraj, création janvier 2014, Quatuor Tana. 3 Brani pour le Trio Harmonia, Quintette à vent "L’art d’assis" Etc.
Daniel a fondé le Groupe Cos, fin des années 70. Successivement "Postaeolian train robbery" (réédité internationalement), "Viva Boma" (EMI) réédités par Musea, France. Puis "Babel", "Swiss Chalet" enfin "Pasiones" un opéra qui connut une centaine de représentations. Parmi les solistes: Pascale Son, Ilona Chale, Charles Loos, Pierre Van Dormael, N. Fiszman, P. Allaert et d’autres. Depuis 1990, il a fondé l’Ensemble Karo, (solistes P. Narcisse, D.Descheemaeker, Jan Kuijken J.L.Plouvier, J.L.Manderlier) groupe électro-acoustique avec lequel il enregistre "If Windows they have" et "The Secret of Bwlch" , Crammed Discs. Egalement "Gira Girasole" pour Materiali Sonori, San Giovani Val d’Arno contient des variations sur des thèmes populaires d’Italie. Récemment il se concentre sur une formule réduite: le Karo Trio dans lequel il invite des musiciens comme Ariane De Bièvre, Fabrice de Graef, Sandip Banerjee, Pierre Narcisse ou Carlo Strazzante, à pratiquer une musique mi- lue, mi- improvisée.
Il fait de la Musique Optimale. Son langage personnel l’amène à combiner les mathématiques et l’harmonie sous forme de “carreaux”, une sorte de pavage optimal et géométrique. Ce procédé qui intervient par exemple dans le création d’harmonie, ou encore dans la transformation de mélodies traditionnelles (Italie, Inde, chant grégorien), a dominé ses travaux récents. Il fait des séjours dans diverses institutions dont l’Ircam. L’instrument joué par Daniel Schell est une tape guitare, ou tiptare. Cet instrument qui vient de la guitare tapée du bout des doigts a été développé depuis les années 50 aux USA. Ensuite il a été développé en Californie, dans les années 1970 par Emmett Chapman que Daniel rencontre et avec lequel il fait ses premiers pas. C’est un instrument amplifié électroniquement. Le manche est similaire à celui d’une guitare, cependant les cordes sont tapées du bout des doigts et non pincées. De cette manière les deux mains peuvent agir et sont indépendantes. Il y a 6 cordes de mélodie et 6 cordes de basse ou d’accompagnement. Pour cet instrument Daniel écrit la méthode ‘Mon Espace, Mon Temps’ et le recueil d’études ‘Le Sentier‘
Daniel Schell a créé le "Séminaire Européen de Tape Guitare E-Tape", lieu d’enseignement et de création pour les étudiants venus de toute l’Europe.
Avec Pierre Narcisse et Swami Dyanabjanada, il fonde l’Académie Sangit de musique classique de l’Inde en 1992. Daniel écrit "Pratique de la Musique Indienne". Enfin il joue régulièrement en compagnie de Sandip Banerjee, avec lequel il a rédigé une méthode "Le tabla". Son trajet peu classique et passionné est une source d'inspiration ! un hymne à la puissance de vie.
Michel Hatzigeorgiou - Le musicien est un messager. Michel Hatzigeorgiou est un bassiste belge, né à Charleroi de parents grecs. Il commence à jouer du bouzouki à l'âge de 9 ans, passera à la guitare électrique à 11 ans pour arriver finalement à la basse électrique à 14 ans. Il rejoint son premier groupe «The Blabkbirds» lorsqu'il étudie à l'Université du Travail de Charleroi. En 1982, il assiste au séminaire de jazz à Liège. A cette époque il jouera avec Jaco Pastorius qui sera un maitre pour lui. Il participe ensuite au projet De Kaai et dans le Nasa Na Band, précurseur de Aka Moon, le groupe qu'il formera avec Fabrizio Cassol et Stéphane Galland. Michel Hatzigeorgiou enseigne au Conservatoire de Bruxelles depuis 1998. Lorsque Michel joue il essaie toujours de rentrer dans cet espace-temps où la musique dévoile un ailleurs que l'on appelle aussi l'âme. Quignard écrit : "La musique est simplement là pour parler de ce dont la parole ne peut parler. En ce sens, elle n'est pas tout à fait humaine." Lorsque l'on entend Michel en solo on peut sentir que cela dépasse l'humain, que ce qu'il cherche c'est une vibration avec l'univers, avec tout le vivant, une sorte de transe qui le conduit à être porté par les notes comme si c'était la musique qui le jouait. Ces moments de grâce sont des moments où Michel devient un passeur de vie dans toute son intensité. Mais pour arriver dans ces états d'ouverture, il faut une rigueur et une discipline importante, des heures de répétition pour se risquer à être porté hors de soi. Et puis une immense humilité qui fait que chaque entrée sur scène est d'une certaine manière la première. C'est pourquoi comme le dit Jimi Hendrix : « Quand le pouvoir de l'amour surpassera l'amour du pouvoir, le monde connaîtra la paix. » Cette expérience inouïe de quasi dépossession de soi lorsque un musicien joue est le pouvoir de l'amour.
Dominique sampiero est écrivain, romancier et poète, il est issu d'un milieu ouvrier dont il continue de partager les valeurs et l’engagement. Élève à l’école normale d'instituteurs de Douai, il commence à écrire à l'âge de 16 ans et devient instituteur à l'âge de 22 ans.Il crée en 1985 la revue d'art et de poésie 15 / 10 qui réunira poètes, peintres et graphistes et organisera un concours annuel de poésie en publiant quelques recueils.Il quitte l’Education nationale en septembre 1999 pour se consacrer entièrement à l’écriture.Il est notamment connu pour l'écriture de deux scénarios de longs métrages, réalisés par Bertrand Tavernier : "Ça commence aujourd’hui " qui a reçu deux prix et également "Holy Lola" en 2004, adaptation de son roman du même nom écrit en collaboration avec Tiffany Tavernier. Auteur de nombreux romans et de nombreuses proses poétiques, Il reçoit le prix du roman populiste pour Le Rebutant (Gallimard, « L'un et l'autre », 2003, le prix Max-Pol Fouchet pour La Vie pauvre (éd. La différence, 1992) et le prix sorcières pour P'tite Mère (Rue du monde, 2002). Puis, il reçoit en 2014 le prix Robert Ganzo.Mais Dominique Sampiero est avant tout un homme libre, qui ne cesse de chercher à élargir ce corps verbal, ce corps d’écriture qui lui permet d’accéder à une autre dimension. Sa passion du verbe, du mot, de la trace lui donne les ailes du désir sans fin de celui qui est habité par une langue en feu. Il est direct, sans fioritures, cherchant toujours à approcher du réel : Que ça cogne, que ça sonne, que ça propulse ! « Nous sommes infirmes, et infinis. Nous boitons entre le néant et le ciel, le monstre et le saint, la flaque et l’étoile » Il cherche dans les fissures de son esprit le mot qui le happe et le fait vivre, qui le porte vers un lieu où toutes les mémoires se conjuguent au passé et au futur. " Ce n’est plus moi qui écrit ces phrases posées comme des amulettes sur le gouffre de vivre. Aucune diversion n’est possible. Ce qui remue dans le texte comprend ce que voudrait dire la lumière." "L’extase cherche la langue natale des entrailles pour nous apprendre à traverser. » Il cherche à incorporer le monde pour en rendre son limon, sa source, sa respiration ; un écho prolongé du premier temps de l’univers.
Cassandre Sturbois est photographe depuis son adolescence. Née à Bruxelles, elle a l’opportunité dès son plus jeune âge de voyager et de découvrir d’autres cultures. C’est au fil de ces pérégrinations, qu’elle se passionne pour la photographie et cherche à recueillir et enregistrer ses expériences. Un jour, décidée à se consacrer professionnellement à la photographie, elle en étudie et expérimente différents domaines, tant d’un point de vue technique, pédagogique, qu’artistique. Aujourd’hui, elle se spécialise dans le portrait et elle ne cesse de nourrir sa passion en cherchant de nouvelles approches, en abordant de nouveaux questionnements. A travers la photo elle essaie de toucher l’intimité pour la révéler sous un jour nouveau. En travaillant avec des femmes blessées ou mal dans leur peau, elle cherche à dévoiler ce qui en elles n’a pas pu se dire ou se montrer, un espace secret où la vie palpite. Son approche tout en douceur autorise une prise de risque qui réouvre vers un ailleurs d’où la peur est absente. La photographie est pour elle une danse entre le temps, la lumière et l’émotion. Comme dit Henri Cartier-Bresson :« Photographier, c’est mettre sur la même ligne de mire la tête, l’œil et le cœur ». Cassandre tente de capturer des instants de vie à travers le chaos parfois ou plus exactement des instants qui ouvre à nouveau vers la vie. L’art photographique réside moins dans ce qui a été que dans la façon dont la photo a été prise. Cassandre par ailleurs très engagée pour le vivant, est très proche de la nature et des animaux qu’elle photographie aussi. "Je souhaite que toute la magnificence de la nature, l'émotion de la terre, l'énergie vivante des lieux puissent être photographiées." Annie Leibovitz. Mais entre nos frères les arbres, nos frères les animaux et nos frères humains c’est le monde qui chante, celui que Cassandre tente de faire bourgeonner !
Galila Barzilaï est collectionneuse d’art, elle a créé la galerie POC à Bruxelles pour que les œuvres qui lui parlent ou qui la choisissent ou qui l’interpellent ou qui la regardent puissent faire vibrer les visiteurs à leur tour. Que cet espace soit l’occasion pour eux, d’une rencontre avec l’inattendu pour précipiter une envie de liberté ou de changement de perspective. C’est la rencontre avec une œuvre à New-York de Tom Fowler : Why ? qui l’a retournée et a fait sortir cette part d’elle-même, ignorée jusqu’alors et qui aujourd’hui encore la guide dans ses choix d’œuvres. Chaque œuvre est une partie de sa psyché, une parcelle de sa vie, un élément de sa personnalité. La résonance entre les œuvres a quelque chose de musical, de jazzy, un rythme qui libère des chaines de le censure pour nous appeler vers une autre rive. Certaines créations plus denses viennent nous questionner sur les fondements de l’humanité, sur ce qui pourrait nous conduire vers une hospitalité toujours plus grande. Galila est tout aussi passionnée par la rencontre avec les artistes avec qui elle échange beaucoup et qui d’une certaine façon font partie de sa famille, celle qu’elle a créée pour nous faire déciller les yeux et nous faire voir au-delà du visible. Ce dialogue incessant avec les créations et les artistes résonne dans son espace et nous rappelle que : " L'art c'est le pressentiment de la vérité." Alexandre Blok
Bernard Tirtiaux est maitre verrier, écrivain, acteur de théâtre et chanteur. Sculpteur de verre et de vers. Il est l’auteur de nombreux romans dont « L’ombre portée » et « Prélude de cristal » chez Lattes. Le dernier est « l’écorché » chez Genèse
édition.
Nous nous tenons debout dans l’indignation autant que dans
l’incohérence. Nous fermons les yeux sur tout ce qui met en péril notre confort et notre sécurité et pendant ce temps la planète s'essouffle et le vivant disparait L’Art n’apporte pas de réponse au grand désastre en cours. Il tient nos sens en éveil et nous éveille ou réveille, nous convie à l’émerveillement, ouvre les portes de l’imaginaire sur un monde reconstruit dans la lumière du cœur et du partage. Verrier, il traque cette lumière et la dispense. Bernard essaie à travers ses diverses créations et sa passion pour ce qui surgit de nous emmener à réfléchir sur nos actes, nos engagements, ce qui nous anime au fond. Il est actif dans l'Agora des habitants de la terre qui essaie de défendre l'accès à l'eau pour tous et sa préservation étant donné que la guerre de l'eau a déjà commencé et que cela s'accélère ainsi que la disparition des animaux et leurs lieux de vie pour que le néolibéralisme pervers continue sa mise au pas de la consommation !
Philippe van Meerbeeck est psychiatre, psychanalyste pour
Adolescents et auteur de nombreux essais sur ce thème, il a fondé en 1979 le Département pour Adolescents et jeunes Adultes du Centre Chapelle-aux-Champs à l’UCL. Sa compétence dans ce domaine n’a cessé de s’affirmer depuis. Il a fondé le CTHA, centre thérapeutique pour adolescents, des cliniques universitaires Saint-Luc en 1993. . Son dernier ouvrage est « Ados en quête de sens d’hier à demain » chez
Renaissance du livre.
Quel récit transmettre aux adolescents qui font face aux
désastres du monde vivant ainsi qu’à l’arrogance de l’homme blanc et son discours néolibéral ? Victor Hugo disait « C’est une triste chose : la nature parle et le genre humain ne
l’écoute pas. » Ce récit pourrait raconter tout ce que l’homme doit au génie animal et à la beauté si diversifiée de la nature
et à quel point notre monde a besoin d’intelligence collective subtile et accordée avec tout le vivant et ce qui le dépasse. Les adolescents nous questionnent parce que ils sont des chercheurs de vérités et de justesse en ce qui concerne leur histoire et la grande histoire. Il est donc essentiel d'être le plus juste possible et de prendre le temps de répondre au plus près des enjeux actuels et passés pour ne pas leur donner des raccourcis dangereux pour l'esprit. C'est un âge de grand remaniement psychique qui appelle à la possibilité de penser au sens fort, en dehors de la police de la pensée. Parler vrai demande du temps et une culture suffisante pour agrandir nos espaces mentaux. Un adolescent attend d'être rencontré pour se risquer à parler. Ce sont eux les acteurs de demain qui vont tenter de changer le cours des choses pour créer un monde qui respire à nouveau avec tous les vivants humains et non-humains.
Roland Gori est Professeur honoraire de Psychopathologie clinique à l’Université d’Aix-Marseille, Chaire de philosophie -2015/2016- de l’École des sciences philosophiques et religieuses de l’Université Saint Louis à Bruxelles, Psychanalyste Membre d’Espace analytique. Initiateur avec Stefan Chedri de l’Appel des appels, il est l’actuel Président de l’Association Appel des appels. Il est notamment l’auteur de : « Un monde sans esprit » 2017, LLL. « L’individu ingouvernable » 2015, LLL. « Faut-il renoncer à la liberté pour être heureux? » 2014, LLL. « La Fabrique des imposteurs » 2013, LLL. « La Dignité de penser » 2011, LLL. « De quoi la psychanalyse est-elle le nom ? Démocratie et subjectivité» chez Denoël. « L’Appel des appels. Pour une insurrection des consciences. » chez Laval. Il vient de publier "Dé-civilisation, les nouvelles logiques de l'emprise." chez Les liens qui libèrent.
La crise écologique actuelle est le symptôme d’une crise plus profonde de l’esprit humain. Bien que nous possédions le savoir pour anticiper les catastrophes écologiques, des obstacles psychologiques et sociaux, tels que le déni, freinent l’action collective. S’appuyant sur Jared Diamond, il explique que l’adaptation aux crises, exige des décisions politique et culturelles ajustées. En référence aux travaux de Donald Winnicott, il essaie de montrer que l’effondrement écologique a déjà eu lieu symboliquement. Les cadres de pensée modernes sont obsolètes, et il appelle à une imagination partagée et à un engagement politique
pour transformer cette prise de conscience en actions concrètes. Nous en sommes loin même si le monde se réveille mais l'hypnose et le déni soutenu par la propagande déferlante anéantit la volonté singulière, sauf chez ceux qui résistent, pour maintenir l'humain sous hypnose. Le langage qui fait agir ces foules est envahi par la pulsion de mort, le sens et la valeur sont détruits, décharnés de significations vitales. Le fait d'être parmi une foule fait descendre l'humain de plusieurs degré sur l'échelle de la civilisation et cela d'autant plus avec les réseaux sociaux qui liquéfient la psyché. D'ailleurs le propre des totalitarisme revient toujours à dessaisir l'homme de son humanité sous prétexte de le changer et de l'améliorer! Et cela grâce aux fausses nouvelles et aux discours de propagande qui sont comme une opération de langage permettant une "emprise" sur les consciences collectives. Il est donc temps tout comme Ulysse de ne plus écouter ces voix d'appel vers l'anéantissement pour ouvrir nos pavillons aux sons de la nature et aux chants des non humains qui nous ont portés nous humains jusqu'ici aujourd'hui.
Sophie Gosselin est philosophe et enseigne dans le master Etudes Environnementales de l'EHESS à Paris. Elle travaille sur les enjeux d'écologie politique, d'anthropocène, de droits et de personnification de la nature. Elle est membre de la revue en ligne Terrestres, de l'université populaire de Tours et du parlement de Loire. Elle a publié deux ouvrages "La condition terrestre, habiter la terre en commun" au seuil et "le toucher du monde, techniques du naturer." chez Dehors. Sophie porte au plus loin la pensée sur les façons viables d'habiter la terre en lien avec les formes de vie non humaines. Il s'agit de sortir de notre anthropocentrisme pour ouvrir nos corps et nos âmes à tout le vivant qui nous a porté jusqu'ici. Ceci redessine de fond en comble les formes du commun. Il s'agit d'instituer de nouvelles alliances pour cohabiter au sein de milieux de vie partagés, en prenant soin des attachements qui constituent notre condition terrestre. Elle inscrit à travers l'histoire de la philosophie en passant par la thérapie institutionnelle et l'art un horizon de pensées qui se lient avec la mémoire, la trace, l'inconscient, l'histoire, les minorités qui vivent avec la nature...Pour nous faire voir notre cécité, nous faire entendre notre déni et nous convier à des retrouvailles essentielles avec tout le vivant. Sans oublier la transformation fondamentale et vitale du droit et de la personnification, de la nature et des animaux.
Philppe Hensmans
Justine Jacquemin est née dans l'art et a grandi avec des rêves à l'infini pour ensuite entamer des études de bio ingénieur qui l'ont emmenée dans les forêts, avec les insectes, les plantes, les arbres, les cailloux... tout le vivant ! Elle en est revenue les yeux grands ouverts et une conscience extrême de notre lien à tous les autres non-humains. Ce regard ouvert elle l'a dirigé vers les artistes en reprenant la galerie de sa maman rebaptisée galerie DYS. Une petite galerie qui accueille des artistes hors du temps et de l'espace, ceux qui arpentent les chemins peu fréquentés pour parler au plus intime et qui cherchent dans la nuit de l'âme. Justine les rencontre par hasard au détour d'un dessin, une toile, une sculpture qui tout de suite viennent lui dire quelque choses d'essentiel : un mot, un souffle, une galaxie, un silence, un souvenir, une voix...C'est une passeuse de vie, de fraternité et de terres fertiles où se poser !
Cela faisait longtemps que je souhaitais dialoguer avec quelqu’un qui exerce un de ces métiers essentiels et cependant toujours et encore mal connu, le métier d’éducateur. Léna Mariel est éducatrice depuis 30 ans, mais pas seulement car depuis qu’elle a 8 ans, elle ne cesse d’écrire et de dessiner. A treize ans, s'accompagnant à la guitare, elle compose des chansons ce qui l'amènera, plus tard, à produire plusieurs albums de chansons et à donner des concerts. En 2010 : À bout Portant - court roman auto-publié, en 2011 : Les Giboulées de Mam’zelle Suzon publié chez Alice Éditions et illustré par Isabelle Carrier (Prix Sorcière en 2010) et en 2022 : Carnet de notes - textes courts illustrés, auto-publié et en rayon poésie dans plusieurs librairies en Wallonie. Travailler avec des enfants qui arrivent de plus en plus jeunes et avec un vécu de plus en plus lourd est une traversée merveilleuse mais éprouvante. Léna témoigne avec une grande délicatesse de ces 32 années de carrière au sein de la même institution et parle de la nécessité de rejoindre ces jeunes là où ils en sont avant de pouvoir les accompagner dans leur évolution. Depuis un an et pour une durée indéterminée, sa carrière est à l'arrêt en raison d'un burn out qu'elle n'a pas vu venir. Cette rupture lui a permis de poursuivre l'écriture d'un conte dont le thème, l'enfant-roi, est abordé de façon légère et poétique malgré les souffrances que recouvre cette réalité plus répandue qu'il n'y paraît dans nos sociétés modernes, tous milieux confondus. Selon elle, côtoyer l’art dans toutes ses formes, peut permettre à l'enfant et à l'adolescent d'élargir ses références, son point de vue, d'éprouver des expériences nouvelles, d'être ému, touché au plus profond, de s'apaiser mais aussi d'exprimer ses joies, ses peurs, sa colère ou sa tristesse d'une façon acceptable, valorisante et enrichissante. Combien de fois, en effet, n'a t'elle pas vu les jeunes les plus désabusés écarquiller les yeux et, soudain, au contact d'un livre, d'un spectacle, d'un concert, d'une exposition… se laisser surprendre par la vie !
Rui Barros est un artiste plasticien. Il a grandi au Portugal et étudié le design à l'IADE, à Lisbonne, avant de poursuivre des études aux beaux-arts. Il travaille principalement la céramique, la peinture et divers matériaux qui l’inspirent.
Il s’est également investi dans la scénographie, les accessoires, ainsi que la direction artistique pour le théâtre, l'opéra et la publicité. Avant de s'installer à Bruxelles fin 2015, Rui Barros a vécu et travaillé à New York et Barcelone. En 2016, il a participé à une résidence pour nouveaux créateurs d'opéra à La Monnaie.
À travers son travail, il cherche à témoigner de la fragile condition humaine et de son lien à l’impermanence et à la disparition. Comment créer dans un monde asphyxié par les objets et les images ? Peut-être s’agit-il de faire entendre l’oubli, la perte, l’absence, tout ce qui rompt avec ce trop-plein.
Rui Barros pointe du doigt les vertiges qui nous habitent et qui seuls poétisent un monde en déliquescence. Il travaille à un rythme qui n’est pas dicté par une quelconque production, mais plutôt par un appel lointain, une nécessité intérieure qui lui demande de se saisir de la matière pour qu’elle nous parle de ce qui n’a pas encore eu lieu.
Maria Palatine a fait un baccalauréat avec la musique comme matière principale à Kaiserslautern. Elle a reçu le prix des jeunes poètes chanteurs de la Fondation Hanns-Seidl et de la Société de radiodiffusion bavaroise, ainsi que le Brukmer Golden Artistic Award à Bruxelles.
Issue d’une famille qui compte, à ce jour, quatre générations de harpistes, elle a étudié la harpe d’orchestre à Mannheim, en Allemagne, avec la composition et le piano en matières secondaires, puis à Nice grâce à une bourse. Elle s’est tournée vers la musique du monde, le jazz et la chanson, et a formé un groupe, le « Maria Palatine Ensemble », qui réunit harpe, voix, percussions et saxophone.
Elle a composé pour la radio, la télévision, le cinéma, ainsi que de nombreuses œuvres autour de l'eau, comme Water Celebration, présenté dans plusieurs pays d’Europe. Elle a également créé un opéra, Le chant d'Éos, avec un livret de Bernard Tirtiaux. Elle a publié dix albums, dont le plus récent, My Voice is my Plea, avec le label bruxellois GAM Records.
Sa musique a été décrite par AGENDA Bruxelles comme une bande sonore évoquant les univers de Björk, Loreena McKennitt et Kate Bush. Elle anime des stages en Allemagne, au Canada et en Suisse.
De 2018 à 2024, elle a été conférencière à l'IMEP pour la classe de harpe en improvisation. Elle vient de terminer un spectacle, Sacrée répétition, dans lequel elle joue, chante et danse pour évoquer la vie et la mort à travers le changement des saisons, ainsi que le rôle des femmes au cœur du foyer, quelles que soient les violences ou les désastres du monde environnant. Ce spectacle rend hommage à ces femmes, souvent oubliées, qui continuent de préserver la chaleur d'un foyer, et plus particulièrement à sa mère, qui lui a transmis le sens de la fête et la joie de vivre.
À travers ses compositions, sa musique, ses textes, et le choix de certains poèmes, Maria cherche à rappeler que la vie est étroitement liée à la nature, aux saisons, à l’eau, et à tout ce qui nous échappe, comme le bruit du vent ou le chant des oiseaux. Elle nous parle de l’essentiel : le partage de l’indicible.
Laurent de Sutter est un philosophe belge. Il a étudié le droit aux Facultés universitaires Saint-Louis (1995-1997) et à l’Université catholique de Louvain (1997-2000). Il a ensuite poursuivi une maîtrise en théorie du droit à la European Academy of Legal Theory (2000-2001), suivie d’un diplôme en sociologie du droit à l’université Paris-II Panthéon-Assas (2001-2002). En novembre 2006, il soutient sa thèse de doctorat intitulée Politiques de la représentation. Aujourd’hui, il est professeur de théorie du droit à la Vrije Universiteit Brussel (VUB).
Laurent de Sutter est un éclaireur de l’être, de la raison, de la loi, et de tout ce qui nous enserre. Il a déjà bâti une œuvre considérable en tant qu’éditeur (collection Perspectives Critiques aux PUF) et écrivain. Sa pensée est vive, rapide, connectée à l’extérieur, au réel ; elle s’abreuve aussi bien des aventures des super-héros, du striptease, que de l’histoire mondiale du droit et des réseaux sociaux. Travailleur acharné et lecteur infatigable, Laurent de Sutter cherche à réveiller notre pensée, à la sortir de sa léthargie ou de son immobilisme. Il ne prend rien pour acquis et se positionne en chercheur invétéré, toujours à l’affût des mouvements sous-jacents de la pensée, au risque constant de se remettre en question.
Il refuse toute police de la pensée, trop souvent prompte à dicter une "vérité" figée, ce qui donne à son style une forme aphoristique. Toujours à l’écoute du monde, de son intelligence, il s’efforce de transmettre ce qu’il y capte pour nous le partager. Laurent aime franchir les frontières, voyager à travers les idées et quitter ce qui semblerait être une destinée tracée, pour chaque jour créer sa propre voie (voix).
Il a également reçu de nombreux prix et distinctions pour sa collection et ses ouvrages.
Arié Mandelbaum est l’un des grands peintres belges. Né en 1939, il a commencé à peindre à 16 ans. Pour ce jeune artiste, son pinceau devient un instrument de révolte qui, au fil du temps, se transforme en témoin de notre époque et de l’histoire. À la fin des années 1950, formé à l'Académie des Beaux-Arts, face à une abstraction non figurative dominante, il privilégie un "expressionnisme vibrant". Devenu professeur (1966), puis directeur (1979) de l'École d'Art d'Uccle, il traverse alors un moment très douloureux. L'un de ses trois fils, Stéphane, lui-même artiste fécond et rebelle, connaît une carrière émergente et fulgurante, avant de disparaître, assassiné dans un crime jamais totalement élucidé. Mandelbaum décide alors de "baisser le ton" – ce sont ses mots – par rapport à l'œuvre de son fils et se tourne vers un travail plus inaccessible, en dehors des modes et des courants artistiques. Arié Mandelbaum adopte progressivement une retenue empreinte de non-dit, manifeste dans sa manière de s'appuyer sur des fonds blancs de plus en plus présents et de réduire le trait à l’essentiel pour nous faire percevoir l’invisible. L’artiste s'y dévoile subtilement : la famille, les arts, la politique, la condition humaine, l’amour, la sexualité, la résistance, la mort, à travers un tracé, des couleurs, une poétique et un existentialisme très personnels. Sa manière de nous faire voir ouvre à la fois sur le silence et sur la justesse du vivant.
Bernard Tirtiaux est maître verrier, il restaure et réalise des vitraux pour des églises mais aussi des sculptures monumentales comme la Cathédrale de Lumière, bâtie pour symboliser le centre géographique de l'Europe des Quinze en 1995, dans la forêt de Oignies-en-Thiérache, dans le sud de la Province de Namur.
Il est également écrivain et comédien de théâtre ainsi que le fondateur et responsable de son théâtre : la ferme de Martinrou, à côté duquel il a construit une maison qui est aujourd’hui considérée comme un patrimoine de la région étant donné son originalité, la beauté de ses formes et des matériaux utilisés.
Bernard a reçu plusieurs prix pour ses romans et pour ses vitraux.
Sa sensibilité d’artiste multiforme le rend inclassable et lui donne une grande liberté de mouvement. Il est également très impliqué dans l’agora des Habitants de la Terre qui tente d’éclairer les humains sur les désastres écologiques en cours, dont celui de l’eau.
Ses sculptures sont aussi une façon d’éveiller ceux qui les regardent.
Bernard est un passionné de la matière, autant celle du verre que celle des mots ou du son, il tente à chaque création d’en faire sortir un nouvel éclairage qui ouvre un nouvel espace pour penser le monde et l’humain. Son dernier roman "L’écorché" est un cri adressé à notre humanité en danger.
Fabrizio Cassol est compositeur et saxophoniste du groupe Aka Moon depuis plus de 30 ans.
Il a également travaillé avec Alain Platel, les ballets C de la B, Anne Teresa De Keersmaeker , le Samoa Lemi Ponifasio (Mao Company), le congolais Faustin Linyekula (studio Kabako); l'opéra avec Philippe Boesmans et Luc Bondy, le théâtre avec Tg Stan.
Il est allé en résidence à la Fondation de l'Abbaye Royaumont près de Paris où il a prolongé l'étude des cultures du monde. Son intérêt pour les musiques non-européennes s'est surtout déclenché après un voyage déterminant chez les Pygmées Aka de la république Centre Afrique en 1992. Depuis il est allé plus de 100 fois en Afrique, 50 fois en Inde … il a travaillé avec la diva malienne Oumou Sangare, le Griot Baba Sissoko et les Black Machine, le maître percussionniste indien U.K Sivaraman et le sénégalais Doudou N'Diaye Rose. En ce qui concerne la scène des musiques improvisées, Fabrizio Cassol a travaillé avec Marc Turner, Robin Eubanks, David Gilmore, Magic Malik, Marc Ducret et Joe Lovano, etc.
Il a une pratique des expressions issues de l'oralité et de l'écriture, de la musique de chambre aux œuvres symphoniques et aux madrigaux. Ce qui lui permet de composer des oeuvres fortes qui cherchent à ouvrir une voix des profondeurs de la mémoire et de l’invisible. C’est sans doute le plus grand musicien de jazz belge et un incroyable compositeur.
Pour cet entretien nous rencontrons Pietro Pizzuti. Il est comédien de théâtre et de cinéma, metteur en scène de nombreux spectacles, auteur d’une vingtaine de textes pour le théâtre et traducteur en français de plusieurs auteurs italiens tels qu'Alessandro Baricco, Ascanio Celestini, Stefano Massini, Fausto Paravidino et Giorgio Gaber.
Pédagogue, il a enseigné aux conservatoires de Bruxelles et de Mons, ainsi qu’à l’UCLouvain et à l’ENSAV - La Cambre. Il a été conseiller artistique de la Maison du Spectacle - la Bellone et membre fondateur du Centre d’Art Contemporain du Mouvement de la ville de Bruxelles - Les Brigittines.
Il a reçu de nombreux prix et récompenses comme comédien et comme auteur.
La création est sa façon de faire entendre l’indicible et l’inouï de ce qui le traverse, pour ouvrir les esprits à ce qui est essentiel. Il est un artiste engagé dans le sens le plus vivant du terme.
Dany-Robert Dufour est un philosophe engagé qui, à travers ses nombreux ouvrages, ne cesse de nous éclairer sur les aléas multiples du capitalisme néolibéral. Au fil du temps, il a affiné son approche pour nous sortir de l'état de stupeur dans lequel nous maintiennent la production et la consommation totales. Sa grande culture, aussi bien philosophique que psychanalytique, historique, sociologique et anthropologique, traverse ses textes avec une vivacité et une liberté rares. Lors de cet entretien, nous nous penchons sur deux de ses ouvrages - Baise ton prochain (2019) et Le Dr Mabuse et ses doubles : L'art d'abuser d'autrui (2021) - pour aborder l'une de leurs questions centrales : la perversion est-elle le moteur caché de l'Histoire ?