Nos sentamos a hablar de O Agente Secreto como si estuviéramos en el recuerdo de algo que aún no ha terminado de pasar. Kleber Mendonça Filho arma una película de dictadura sin manual escolar: mete humor, terror, cinefilia, y esa textura de época que no necesita gritar “setentas” para sentirlos, y no es solo la bota campana.
En este episodio de Cine con Acento la discusión no va por el “mensaje”, sino por algo más cruel: memoria, negación, relatos que ganaron hace tiempo y los intersticios, muy pequeños, donde todavía se pelea. Una película que mira el pasado para decir, sin solemnidad, que el presente sigue usando los mismos disfraces. Un trabajo que termina por recordarnos que la guerra se perdió, pero la batalla se sigue dando
After the Hunt es una de esas películas que parecen pedirnos paciencia, inteligencia y buena voluntad… y sin embargo, aun se sale de ellas con la sensación de haber sido un poco manipulados. En este episodio de Cine con Acento discutimos la más reciente película de Luca Guadagnino desde un desacuerdo frontal: ¿estamos ante un film adulto que confía en la ambigüedad o ante una operación que, a pesar de su empaque elegante, apenas finge complejidad para terminar diciendo lo obvio?
Un campus universitario convertido en espacio seguro, la corrección política como gesto performativo y un conflicto que nunca termina de nombrarse, la charla se mueve en grises incómodos. No para resolverlos, sino para preguntar hasta qué punto esa incomodidad es una apuesta honesta… o una coartada estética más del cine prestigioso contemporáneo.
Hay películas que parecen hablarnos desde otro plano. Sirât de Olivier Laxe es una de ellas. En medio del desierto, un padre busca a su hija perdida entre los ecos de una rave para terminar encontrándose a sí mismo frente al vacío. Ante sus limitaciones humanas que chocan contra el tren de la Naturaleza tanto inmensa como implacable.
Sirât es una experiencia sensorial, pero también espiritual. Es el sonido del polvo, la fragilidad del cuerpo, la soberbia del hombre que cree poder controlar la naturaleza.
En este episodio de Cine con Acento, junto a Sofía Ferrero Carga, nos sumergimos en un viaje de ritmo y reflexión, donde el cine vuelve a ser espejo. Porque siempre tocará buscar un espacio de silencio en medio de un rave que ayude a ubicarnos.
En este episodio, Sofía Ferrero Cárrega y Juan C. Lemus hablaman de Sentimental Value, la más reciente entrega de Joachim Trier, ese director que convierte el silencio en argumento y la incomodidad en poesía visual.
Un padre que vuelve después de años a enterrar la madre de sus hijas, estas que ya aprendieron a no esperarlo, y una casa que guarda tanto secretos como sentimientos . Cine sobre heridas heredadas, pero filmado con una elegancia que solo un vikingo en terapia podría tener.
Hablamos de lo que callan las familias, de los premios que no curan y de la peligrosa costumbre de usar el arte como excusa para pedir perdón. Y sí, también de por qué a veces el cine más frío termina quemando.
Si Tuviese Piernas te Patearía (If I Had Legs I Would Kick You) empieza con un agujero en el techo y sigue con otro en el alma: madre exhausta, hija en inanición programada, marido que apenas se oye y un motel que sabe a derrota. En este episodio, Sofía Ferrero Cárrega y Juan Carlos Lemus leen la película de Mary Bronstein como autopsia de la maternidad neoliberal: culpa, aborto, coaches emocionales, Rose Byrne hecha puro nervio.
Escuchalo, porque siempre será bueno que se diga en voz alta lo que normalmente se barre debajo de la alfombra.
Lynne Ramsay adapta la novela “Mátate, amor” de Ariana Harwicz y nos mete, sin explicaciones ni diagnóstico, en la espiral de Grace (Jennifer Lawrence) y Jackson (Robert Pattinson): deseo, maternidad, aislamiento, la vida bucólica como trampa y una banda sonora que atenaza el pecho. En este episodio hablamos —sin edulcorante— con Sofía Ferrero Cárrera sobre lo que la película deja vibrando: una puesta sensorial que prescinde de la palabra, el amor que no vacila pero que tampoco alcanza. Hablamos del traslado del monólogo interno al cuerpo, del fuera de campo masculino y de por qué esta historia exige pantalla decente y oídos atentos. Además, del cómo la mala exhibición en salas latinoamericanas deforma la experiencia y el juicio. Cerramos con una breve deriva sobre Scorsese (productor) y la racha de ficciones recientes que piensan la carga mental.
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Noviembre, ópera prima de Tomás Corredor, encierra a un país entero en un baño durante la toma del Palacio de Justicia. La apuesta funciona cuando ese espacio mínimo se vuelve espejo de Colombia —magistrados, guerrilleros, escoltas y señoras del aseo comprimidos bajo fuego— y se narra la violencia sin panfleto ni espectáculo.
Pero también hay un riesgo: que la angustia de estar atrapados nos iguale a todos y borre diferencias, matices, responsabilidades. En este episodio de Cine con Acento hablamos con Corredor sobre lo que se gana y lo que se pierde en esa decisión, su tránsito de los comerciales al cine y cómo encontró un lenguaje propio entre ética, archivo y resistencia.
La crítica ya abrió el debate:
Next Best Picture: “transforma magistralmente su escenario de una sola habitación en una olla a presión de tensión y peso emocional” (Will Bjarnar, 8/10).
Live for Film: “documentary in-the-moment feel en imágenes e interpretaciones”, lejos del espectáculo.
El Tiempo, con la voz de Helena Urán Bidegain: “muestra con crudeza ese momento, sin sensacionalismo… siguiendo siempre una línea ética”.
Radiónica: “una herida abierta y una verdad incompleta de la que debemos seguir hablando”.
0:00 – Intro y presentación de Tomás Corredor
9:00 – El baño como microcosmos: decisión ética y mirada desde adentro
18:18 – Duración y ética del tiempo: tensión sin espectáculo de violencia
27:18 – Dramaturgia no clásica: resistencia, Sartre y sociedad civil
33:53 – Técnica y forma: 4:3, archivo y diseño sonoro (Cortázar)
38:00 – Cierre: memoria, no-panfleto y ruta de festivales
Un policía en fuga, un queso robado y un mate mal cebado. Con esos detalles mínimos, Daniel Hendler arma Un cabo suelto, película que acaba de recibir una mención especial del jurado en San Sebastián, tras pasar por Venezia Spotlight y ganar el WIP Latam 2024.
Juan y Dianela la miran en clave rioplatense: comedia de huida que nunca estalla en carcajadas, pero sostiene la sonrisa gracias a un humor seco, apático, casi absurdo. Un cabo argentino cruza a Uruguay para desaparecer, y en el camino roba, improvisa, negocia. Tranza. Ligera, sí; ingenua, no: Hendler prefiere mostrar la confianza de lo cotidiano rural—queseros, cajeras, abogados— antes que el cinismo urbano.
La crítica lo confirma: Screen Daily la llamó “deadpan delight”, OtrosCines celebró su “estructura virtuosa”, y en Desistfilm Mónica Delgado, nuestra colega y amiga, destacó cómo el recorrido por caminos rurales expone diferencias culturales con ironía, aunque advierte su riesgo de localismo.
Un cabo suelto funciona como road movie sin destino final, pero también como retrato de frontera, donde los límites nacionales se vuelven difusos. En tiempos de miserabilismo cinematográfico, Hendler apuesta por personajes generosos y finales abiertos.
Capítulos
0:00 Presentación y contexto
0:55 Ficha de la película: Hendler, reparto, festivales
2:08 El tono: humor sereno y amable sin buenismo
6:39 Identidad, frontera y el mate como delación cultural
14:22 Montaje, saltos temporales y crítica a la policía
20:24 Comunidad, generosidad y contraste ciudad–pueblo
Conversamos en Lima con Mónica Delgado sobre Una batalla tras otra (One Battle After Another), la nueva película de Paul Thomas Anderson con DiCaprio, Penn, Teyana Taylor y Benicio del Toro al frente: un híbrido de sátira política, aventura screwball y melodrama filial que nos deja con sinsabores.
En Micropsia (Arg.), Diego Lerer la define como “saga cómica y oscura”. Micropsia En Página/12 (Arg.), Leandro Arteaga subraya el retrato de “una Norteamérica signada por luchas internas y un régimen fascista”, y el eje padre-hija como corazón emocional. PAGINA12. Desde México, Milenio describe a Bob Ferguson (DiCaprio) como ex-revolucionario del grupo French 75 que vive entre paranoia y marihuana mientras intenta proteger a su hija Willa. Grupo Milenio Cinencuentro (Perú) rastrea las filiaciones cinéfilas: conspiranoia setentera, The French Connection, ecos de The Big Lebowski y sátira a la Dr. Strangelove. Cinencuentro
Coincidimos con varios de los puntos mapeados: hay motor visual y la música, de Jonny Greenwood, que empuja, pero también costuras visibles y caricatura política. Frente al coro entusiasta internacional, esta charla contrapesa: ¿hay PTA o solo artesanía de lujo?
Dato útil: la película se inspira libremente en Vineland de Thomas Pynchon y se estrenó en salas la última semana de septiembre de 2025.
00:00 — Lima, cielos grises y arranque del episodio
03:20 — Primeras impresiones: diversión, pero… ¿dónde está el PTA autoral?
08:45 — Actuaciones: Penn “coronel malparidísimo”, Del Toro “sensei”, DiCaprio en piloto paranoide
14:10 — French 75, migración e ICE: sátira y límites del comentario político
19:30 — Pynchon a pantalla: licencias, mezcla de géneros y elipsis “marca PTA”
24:50 — Padre e hija: emoción vs. caricatura; ¿autorrevisión del director?
30:40 — Top personal de PTA y veredicto: disfrutable, irregular, no su mejor obra
En este episodio de Cine con Acento, Sofía Ferrero Carrega —integrante del equipo y jurado FIPRESCI en el Busan International Film Festival— comparte su experiencia desde dentro de uno de los certámenes más relevantes de Asia.
Hablamos de lo que significa evaluar películas como parte de un jurado internacional y de cómo el festival se consolida como un espacio clave para nuevas voces del cine mundial. Desde su mirada latinoamericana, Sofía reflexiona sobre las resonancias posibles entre Asia y el Sur Global, y los desafíos de leer esas películas desde otros contextos.
#BIFF2025 #BusanFilmFestival
En el camino, de David Pablos, es una película que camina sin destino fijo, que prefiere la grieta al mapa turístico. Ganadora en Orizzonti de Venecia, nos recuerda que aunque esté parada en los nuevos clichés del cine mejicano, dentro de él aún puede resistir al algoritmo de la prisa, el lugar común del narco y obligarnos a habitar la incomodidad de lo incierto e invitarnos a buscar más del director David Pablos.
En el Festival de Venecia 2025 se estrenó Hiedra, la nueva película de Ana Cristina Barragán, una de las voces más singulares del cine ecuatoriano. Con un estilo poético y sensorial, la cinta narra el encuentro entre Azucena, una mujer que busca al hijo que abandonó, y Julio, un joven marcado por la soledad de un orfanato. Entre heridas, ternura y silencios, la película explora vínculos ambiguos y humanos con una fuerza visual que mezcla realismo y lirismo. Coproducción entre Ecuador, México, Francia y España, Hiedra marca el regreso del cine ecuatoriano a la Mostra tras más de dos décadas.
En el Festival de Venecia 2025, en la sección Giornate degli Autori, presentó la ópera prima de Mayra Hermosillo: Vainilla. Esta película desde la mirada de una niña de ocho años retrata con ternura y fuerza la comunidad íntima de siete mujeres que luchan por salvar su hogar. Con una forma más cercana al telefilme y con más ganas de contar una historia del cómo se hace en el cine, la cinta, aunque cae en el sentimentalismo, destaca por el retrato auténtico de la sororidad familiar. Asunto que por demás se refleja en su poderosa carga femenina y su equipo técnico y narrativo.
Una conversación sobre Estancia, el documental que revela memorias y afectos ocultos en el corazón de Medellín. Conversamos con Miguel Mejía sobre Estancia, el documental de Andrés Carmona Rivera que retrata la vida íntima de hombres mayores en una casona de Medellín. Una charla sobre memoria, olvido y deseo que pone en el centro vidas e historias que han sido invisibilizadas: hombres mayores, muchos homosexuales, que construyen comunidad en silencio. Encontramos de resaltar el cómo mostrar esas existencias, darles dignidad y tiempo en pantalla.
Con Hasan en Gaza llegó a Locarno 2025 como una pieza incómoda y necesaria. El documental no solo retrata la cotidianidad rota por las bombas, sino que hace memoria en tiempo real: la cámara se convierte en testigo y denuncia. Lo que empezó como un sistema de control y segregación —el apartheid que durante décadas la comunidad internacional decidió nombrar con sordina— se ha desbordado en un genocidio transmitido en directo, y el filme lo asume con una serenidad que duele.
Este no es un trabajo de exotismo bélico ni de compasión turística: es historia, una película que probablemente se estudie cuando se quiera entender cómo el cine sobrevivió al silencio cómplice. Hasan no habla para la estadística ni para los titulares; habla para la posteridad, y su voz, frágil y obstinada, es la grieta por donde entra la luz en un tiempo de tinieblas.
Conversamos con Pato Fuster, fotógrafo chileno con 20 años de trayectoria en el Perú, y jurado de la competencia de fotografía en el 29° Festival de Cine de Lima. Entre cafés y proyecciones, Pato habló de la responsabilidad que implica ser jurado donde no solo se evalúa la técnica, sino cómo la imagen respira dentro de la historia. Recordó el clima vibrante del festival, lleno de miradas jóvenes y riesgos formales, y hace sus comentarios sobre la vitalidad del cine peruano.
Un diálogo sobre luz, encuadres y la certeza de que el cine andino está escribiendo sus propias reglas.
Nuestro invitado, Juan Daniel Fernández Molero, arrancó hackeando sus propios recuerdos en Reminiscencias. Se ganó con Videofilia un Tiger en Rotterdam, por convertir el scroll en cine. Y ahora abre Punku, una puerta que —dicen—no conviene cruzar de noche si eres fácilmente impresionable.
Charlamos de sus inspiraciones y sus homenajes; de cómo se edita con la misma intuición con la que uno respira; y de esa tradición peruana y latina de mezclar lo real y lo fantástico sin pedir permiso (y sin llegar al Realismo Mágico, pero bailando con él). Hay humor, hay teoría y hay un poquito de “¿y si mejor apagamos el Wi-Fi?”. Pasen, por favor, hoy el acento viene con glitch y quipu y pisco sour.
Locarno es una de las piezas fundamentales en la cinefilia mundial. Este año, la importante y usual presencia del Sur Global (basta recordar algunos Leopardos Dorados: From What Is Before (Mula sa kung ano ang noon) de Lav Diaz, Filipinas, 2014 o en 2022 Regra 34 (Rule 34) de Júlia Murat, Brasil) en el festival de suizo se hace notoria por su ausencia en tanto se nota un protagonismo del cine europeo. Parece que los vientos localistas llegan también al cine y a la cinefilia. Esperamos desde este pódcast que duren poco. La colega Mónica Delgado llega desde Perú para contarnos como la el verano suizo viendo películas.
Durante el pasado festival de Cannes, hemos tenido la oportunidad de hablar con Albert Serra. El que con un tono cercano, y ¡sin ponernos solemnes! nos explica un poco cómo decidió llevar la lentitud digna de un poema al cine, retando a todos a mirar—y sentir—sin prisas. Además, hablamos de su faceta como productor, del cómo ve el cine de hoy y algunas opiniones de la vida contemporánea
Para los que no le conocen: Su filmografía pasa por poética, y radical y va de Drácula y Casanova en fiesta existencial (Story of My Death), a las suelas de Jean-Pierre Léaud encarnando al Rey Sol agonizando (The Death of Louis XIV), pasando por libertinos al atardecer (Liberté), un diplomático en crisis nuclear en Tahití (Pacifiction) y, la joya reciente: un retrato taurino sin filtros (Tardes de soledad).
En este episodio vamos a sondear un cine que no se explica, se experimenta… despacito. ¿Se animan?
La crítica como ejercicio intelectual, como manera de ver y de vernos. ¿Sobre qué ética se sostiene? ¿Cuáles mecanismos moviliza? ¿Cómo se hace en Latinoamérica? Ideas que saltan en esta charla con Mónica Delgado y Zoraida Rengifo