Prune Carmen Diaz mi ha colpito nell’esatto istante in cui ho sentito il suo singolo “Flight simulator”. 

Non sapevo nulla di questa creatura artistica nata e cresciuta a La Chaux-de-Fonds, se non che ruotasse nell’orbita di Humus Records. La sua voce così evocativa e la nostalgia che fuoriusciva da quelle melodie hanno fatto breccia e la curiosità è cresciuta singolo dopo singolo, fino all’uscita del suo primo album “Disobedience”, uno dei più belli (di genere) di tutto l’anno discografico svizzero.

“Disobedience” di Prune Carmen Diaz è un disco pop orchestrale e malinconico costruito con suoni vintage e atmosfere intime. È nato nella grande famiglia di Humus Records con l’affetto e la partecipazione attiva dell’amico cantautore, attivista e discografico Louis Jucker. 

In otto canzoni veraci e organiche, Prune Carmen Diaz racconta il suo difficile percorso di crescita in un’infanzia segnata dal peso oppressivo e rigido della religione, un forte senso di diversità e la gestione della sindrome di Asperger. Nella sua opera, Prune Carmen Diaz esplora l’identità, la vulnerabilità, il dolore e la ribellione, ispirandosi al romanticismo e alla filosofia. “Disobedience” rappresenta in maniera sia esplicita che metaforica un atto di liberazione e accettazione di sé.

Ho preso il treno e sono andato à La Chaux-de-Fonds a conoscerla.

In un’epoca di iperproduzione e perfezionismo musicale, c’è una tribù che percorre sentieri alternativi. 

Il progetto ticinese Haara è un calderone di suoni reali, di strumenti che respirano, di mani che percuotono, pizzicano ed evocano creando una pozione “vera” e imperfetta e (proprio per questo motivo) profondamente umana. 

Haara è un’entità collettiva in espansione che assorbe culture, tradizioni e strumenti da ogni angolo del mondo. Ogni concerto è un nuovo rito, ogni nuovo pubblico è un’ulteriore estensione della tribù e della sua potenza.

Il primo album “Lambs” è una chiamata alla riconnessione con la terra, con gli elementi, con la spiritualità e la magia che ci sono ancora, se sappiamo guardare e ascoltare...

“Lambs” è la storia di un agnello che scopre la forza del gregge, ricordandoci che il cambiamento nasce dal basso, dal coraggio di unire le voci e camminare insieme. 

Abbiamo avuto il piacere di incontrare due degli spiriti guida di Haara: la cantante, costumista e visual-artist Lisa Attivissimo e Nicolas Pontiggia, la forza ritmica che ne scandisce il battito. Insieme, ci hanno raccontato un disco figlio di questo tempo e che ne coglie a fondo lo spirito: un rituale sonoro e comunitario di resistenza poetica. 

“Lambs” di Haara è una storia da ascoltare, vedere, danzare e sentire sotto la pelle come se fossimo contemporaneamente ovunque nel mondo.

La musica come strumento di crescita artistica e personale. 

Gli ultimi due anni sono stati cruciali per la musicista e produttrice elettronica ginevrina La Colère. Ascoltando la sua evoluzione personale e musicale, sembra che di tempo ne sia passato molto di più perché è una storia diversa. Il nuovo album “Image” (pubblicato alla fine di settembre) e il nuovo live show sono ambiziosi. 

Spingendo sull’acceleratore e aprendo le porte della sua musica “electro” anche alla techno e alle ambientazioni più rave, La Colère ha raggruppato 9 canzoni in cui esplora la fragilità, la forza e contrasti; un percorso di crescita e guarigione che è stato possibile solo abbracciando il proprio bambino interiore e che oggi, sul palco, è diventato uno show interattivo e immersivo, un’esperienza sensoriale che non ha precedenti in ambito musicale svizzero.

La Colère è una creativa, una cantautrice tecnologica, una freak del digitale e amante del tatuaggio che ha bisogno della natura e del mare come l’aria. È una combinazione potente di energie che abbiamo raccolto e miscelato in questa nuova e profonda intervista.

S’intitola “Meh als Null & Eis” il primo album congiunto di OG Florin (al secolo il rapper Florin Simmen) e Melodiesinfonie (alter-ego del musicista e produttore Kevin Wettstein).

Come dice il titolo, dentro questo disco c’è “molto di più di soli zeri e uno”: è un’opera alternativa ed elegante che spazia tra i generi e che, nel suo essere difficile da inscatolare, suona nuova e fresca, come brezza sulla Riviera.

Si contano sulle dita di una mano le puntate che abbiamo dedicato in 15 anni di Confederation Music alla musica cantata in svizzero tedesco, ma “Meh als Null & Eis” di OG Florin e Melodiesinfonie (che era già stato nostro ospite) è un mondo diverso creato da due anime aperte e ricettive che, ispirandosi al soul, all’indie, alla bossanova e al cantautorato, hanno partorito qualcosa che prima non esisteva in Svizzera.

Sandra Romano ha incontrato Florin Simmen e Kevin Wettstein a Zurigo.

Animazione professionale, tensione immensa, relax universale, “next level disco punk” multilingue e senza confini.

Sono alcune frasi che trovate al sito dirtyslips.ch, la pagina ufficiale di Dirty Slips, frizzante combo artistico zurighese protagonista di alcune tra le serate più infuocate della nightlife sulla Limmat; serate che non sono dei concerti ma degli show durante i quali Francesca Tappa, Michael Sauter, Ramin Mosayebi e Micha Robert indossano costumi audaci e sexy.

Dirty Slips sono sinonimo di musica e balli scatenati, certo, ma difendono un ideale che va oltre un suono difficile da classificare e che ne è il biglietto da visita. Il quartetto di Zurigo promuove l’unità, l’uguaglianza, l’accettazione della diversità e l’abbattimento dei confini. 

Più diversità c’è, meglio è, e cantare in quattro o cinque lingue diverse è un gesto di grande apertura e voglia di condivisione.

“Anima”, l’ultimo album di Dirty Slips è uscito il 31 ottobre con la loro label La Discothèque Irrationelle. Sandra Romano ha incontrato la cantante Francesca Tappa e il batterista Michael Sauter a Zurigo.

Chi o che cosa influenza e controlla il nostro modo di pensare? Da dove vengono i nostri schemi e i nostri condizionamenti? E in che modo influenzano il nostro comportamento e le nostre decisioni?

Il duo zurighese Strange Modes esplora la questione del “chi costruisce le case nella tua testa”, ovvero i nostri ostacoli interiori, come dice il titolo dell’album “Who builds the houses in your head”. 

Sarah Calörtscher e Mathias Hauser osservano un patriarcato che si sta frantumando, commentano il nostro grandioso fallimento nel coesistere con il mondo e con la vita che lo abita. Lo fanno in un disco di 8 canzoni suddivise in 3 parti (“3 atti”, per usare il gergo teatrale a loro tanto caro) molto diverse tra loro: partenza, contemplazione e rassegnazione, come l’immagine finale di disco: “piante che arrampicano sulla tua casa, tanto a loro non importa se esistiamo o ci estinguiamo. Per questo, la cosa migliore che possa emergere da un mondo in decadenza è l’arte”.

I contrasti con cui giocano Strange Modes sono evidenti in questo bel album indie rock svizzero dove la voce gentile di Sarah e le armonizzazioni delicate di Hauser, fanno da contraltare a un suono che è una montagna russa di intensità: si va dal vigore alla leggerezza, dallo stato di coscienza alterata che rasenta la psichedelia e su fino a una potenza quasi noise.

Sandra Romano ha incontrato Strange Modes a Zurigo

Forse l’avete visto e sentito dal vivo all’edizione 2025 di Facciamo La Corte, a Muzzano.

L’espressione “3yooni” nella lingua araba significa “I miei occhi”. È il progetto del musicista, docente e attivista politico d’origine irachena Yassin Mahdi, amante del Ticino, che frequenta spesso per praticare arrampicata e bouldering.

Il primo album di 3yooni, “Baghdad” (il nome della città in cui è nato), in cui l’elettronica occidentale si fonde con l’Oud e la tradizione ritmica araba, riflette la visione del mondo di Yassin.

“Baghdad” è una tappa importante nel percorso intrapreso da Yassin Mahdi per riappropriarsi della propria essenza araba, quella di un bambino cresciuto in svizzera nella “normalità della discriminazione”. È musica toccante, evocativa in cui 3yooni esplora in modo critico concetti come l’identità, la lingua, il razzismo e l’orientalismo.

La consapevolezza, la riscoperta delle proprie origini e l’amore verso sé stessi e verso il prossimo che trasudano da quest’opera intensa, ci ricordano quanto sia necessario oggi aprire le nostre menti e i nostri cuori.

Laralba sono tornati.

Diversi anni dopo il primo album che portava il loro nome, lo scorso marzo è arrivato “Go my love” (autoproduzione).

Con Laralba ritorna il simbolo celtico dell’albero della vita foriero di un folk irlandese (made in Ticino) che parla d’amore, lotta e paesaggi idilliaci. È un repertorio che spazia dalla tradizione alla modernità, con alcuni esercizi originali e con un denominatore comune: è tutta musica organica e piena di vita.

Laralba, nati nel 2010 come trio, sono prima diventati un quartetto e dal 2020 sono in cinque; una formazione allargata che amplia gli orizzonti musicali e le possibilità d’arrangiamento, aprendo nuove prospettive a un gruppo di musicisti per i quali il concerto, inteso come occasione per portare le storie e la musica tra la gente, è una necessità fisiologica.

Con grande piacere, diamo il benvenuto per la seconda volta a Confederation Music alla cantante e violinista Lara Lanzi e al maestro batterista Matteo Piazza.

C’è una lentezza nel battito cardiaco di Monumental.

Non è pigrizia, sono il passo naturale e la predisposizione alla cura maniacale del dettaglio fino all’eccellenza, costi quel che costi, anche costruire un’opera in 5 anni.

Monumental contiene, artisticamente, alcune fette di storia della musica svizzera: Christoph Haller (aka Biru Bee) dei Round Table Knights, Roman Bühlmann di Patrick Bishop e Melvyn Buss produttore e compositore coinvolto in numerose realtà musicali svizzere.

Il primo album di Monumental s’intitola “When I Liked Myself Just a Little Too Much”, é uscito il 29 agosto 2025 con Mouthwatering records. È un esercizio elettroacustico di gran classe che risuona come un inno al conflitto interiore dell’artista: una miscela potente di estasti e tormento con una colonna sonora profonda, a volte vigorosa, altre delicata e con un delizioso tocco malinconico esaltato dalla voce soul di Roman Bühlmann.

Uno dei miei album svizzeri preferiti del 2025!

Per comprendere la musica, devi conoscerne la storia.

La storia di Operazioni racconta di rivoluzioni astronomiche: quella di un ciclo universale che inizia e finisce in un buco nero, e quella di Corinne Isabelle Rinaldis che circumnaviga il pianeta Terra incontrando la grande famiglia umana.

“We are all made of stars” cantava Moby. In questa essenza cosmica il sole e l’amore sono il motore di tutto, che continua a girare e continuerà a farlo, anche dopo il nostro brevissimo passaggio nell’universo.

Testimone dello spettacolo del sole che sorge e tramonta in mezzo all’Oceano, della ricchezza dell’umanità abbracciata in un viaggio attorno mondo durato anni, Corinne Isabelle Rinaldis ha realizzato un diario di bordo che pesa come un macigno nell’anno discografico svizzero.

“REvolution” (A Tree In a Field Records) di Operazioni eccita le particelle di cui siamo composti perché (nei suoi quasi 25 minuti di durata) parla esattamente di noi: da dove veniamo, come siamo e dove finiamo. È un concept specchiato in cui la musica dialoga con la fisica quantistica, in cui la sensazione spirituale diventa spiegazione scientifica e al centro del quale c’è il nostro ego, così potete, così fragile.

È stato un piacere accogliere (per la prima volta a Confederation Music) l’attrice, visual artist e musicista ticinese Corinne Isabelle Rinaldis.

La musica come barlume di speranza, come promemoria per ricordarci che oggi abbiamo bisogno di tanto amore e magia e che, in questo mondo, dovremmo prenderci cura gli uni degli altri. Una richiesta d’aiuto e di speranza, un mantra per l’umanità.

La giovane cantautrice zurighese Mel D, dopo una serie di singoli convincenti, ha pubblicato il suo album di debutto il 5 settembre 2025; s’intitola “Young Bones”, è uscito con Two Gentlemen ed è stato co-prodotto tra Zurigo e Parigi dall’amico Dino Brandão e dal francese Renaud Letang.

La musica di Mel D è organica, ha il suono e il sapore degli strumenti musicali veri: accelera e rallenta, si riempie e si svuota in un continuo ping-pong tra etereo e terreno.

Nelle nove canzoni di “Young Bones”, Mel D mette in poesia il desiderio e la malinconia, con una voce avvolgente e toccante, fragile e potente, intensa e giocosa.

“La nuvola rappresenta il mondo parallelo che abbiamo inventato con questo album. Amiamo la fantascienza. Più che un personaggio, è l’idea di un essere umano del futuro a cui non servono habitat o astronavi per viaggiare tra i pianeti. Il prototipo di un nomade futuristico. Abbiamo immaginato “Cloud Drifter” ambientato ai tempi di Star Wars”

Nati dieci anni fa in una notte nebbiosa a Londra, i ginevrini L’Éclair sono riconosciuti nel mondo; già ospiti delle prestigiose KEXP Sessions, sono l’incarnazione musicale del detto “nessuno è profeta in patria”. Amati e seguiti negli Stati Uniti, qui in Svizzera non trovano un solo festival che li inviti a suonare.

L’Éclair hanno fatto una grande metamorfosi. L’ultimo album “Cloud drifter” (Innovative Leisure) è carico di ritmo, psichedelia futuristica e narrazione spaziale. L’inserimento, per la prima volta in un decennio discografico, delle voci è un segno dei tempi, per un progetto dinamico e mutevole che oggi ruota attorno ai fratelli Stef e Yavor Lilov.

“Volevamo sviluppare L’Éclair. Noi ascoltiamo musica strumentale ma anche cantanti che ci hanno ispirato. Sapevamo di non voler cantare, ma aggiungere voci permette di dare più colore, di cambiare. Lo volevamo, sin dall’inizio”.

“Cloud drifter” di L’Éclair è un album organico e intelligente come i precedenti, ma più elettronico e prodotto. È una delizia sintetico-analogica, un pot-pourri stilistico che ti porta dentro scenari urbani e riviere stellari con la sensazione d’essere costantemente nella colonna sonora di un film di fantascienza. E con un denominatore comune: il groove.

“È un po’ come gli album di Santana”, in cui lui fa quello che vuole: latin pop, hip-hop, Woodstock…In concerto suona dieci stili diversi. Ci piace l’idea, come nella musica dei Pink Floyds, di avere la voce ma anche tanta musica strumentale. Sono dischi che ci hanno segnato e che vorremmo fare a modo nostro nel 2025 ma più moderni.”

Dopo dieci anni, tantissimi concerti e diversi album, finalmente a Confederation Music, L’Eclair!

ICU RUN di Camilla Sparksss è una montagna russa elettronica, un disco ambizioso e personale.

Vigore e armonia fanno da collante a un collage darkwave variopinto di electro-pop, cassa dritta, industrial, techno e synth-bass anni 80.

“ICU RUN” contiene 8 canzoni con cui Barbara Lehnhoff reagisce alla scomparsa del papà. È un disco che cattura, come dice lei, “il terreno emotivo estremo” su cui ti muovi quando in ballo ci sono la vita o la morte e dove gli ingredienti di questa “esperienza sonora tragicomica ad alta tensione” sono “il caos e l’armonia”.

“ICU RUN” di Camilla Sparksss alza l’asticella qualitativa di quest’artista svizzero canadese innovativa, trasparente e viscerale, ne consolida l’essenza luminosa e oscura dispensando, senza compromessi, impeto e melodia.

Affrontare “Two birds singing lullabies” di Morningless è stato rivelatorio. Le ragioni sono due: la prima è la ricchezza, la vastità e la varietà compositiva di un’opera da 32 canzoni; le seconda è che, come sempre nella vita, solo se scali la montagna, arrivi dall’altra parte.

Morningless è l’alter-ego musicale del cantautore e poli-strumentista luganese Davide Nevano. Il suo ultimo lavoro è un concept, un doppio album monumentale suddiviso in 5 giornate in cui è narrata l’avventura fantastica e psichedelica di Miles, un ragazzo qualunque.

La grande quantità di musica contenuta in “Two birds singing lullabies” può intimorire, ma una volta dentro appare evidente la grandezza di un lavoro (curato nei minimi dettagli, quasi maniacale) durato 3 anni e che, per la qualità del songwriting e la sensibilità melodica di questo pop e rock d’autore, sembra irrinunciabile ogni qual volta si senta la necessità di perdersi nella musica e nelle canzoni.

È con grande piacere che diamo il benvenuto a Confederation Music a Morningless. 

S’intitola “Bohème” il nuovo album dell’arpista ticinese Kety Fusco, uscito il 19 settembre con l’etichetta indipendente svizzera A Tree In A Field Records.

Kety è andata negli Stati Uniti, su invito del Dipartimento di Stato Americano, per rappresentare la Svizzera all’International Visitor Leadership Program, un programma di scambio, dialogo e confronto culturale che prevede un tour nelle principali città del paese assieme a un gruppo selezionato di musicisti addetti ai lavori provenienti da tutto il mondo.

Questa nuova esperienza prestigiosa oltre oceano è uno dei tanti effetti collaterali di una crescita artistica continua e di un’affermazione internazionale che sembra inarrestabile. Kety Fusco si è già esibita alla Royal Albert Hall di Londra e all’Opera di Roma, la sua musica è stata recensita nelle colonne del Guardian, è finita nelle playlist di BBC e ha stuzzicato anche la curiosità di Iggy Pop che ha un feature in questo album, nel singolo “She”.

Prima di partire, Kety Fusco ci ha raccontato la storia di “Bohème”, una nuova tappa suggestiva del suo viaggio elettroacustico, melodico e sperimentale verso la definizione dell’arpa del futuro. La sua arpa.

È significativo notare quanta musica oggi inviti a rallentare e a prendersi il tempo per sé stessi. Come se decelerazione e contemplazione fossero l’unica medicina contro il logorio psico-fisico di una società sempre più frenetica. Gli zurighesi Namaka lo fanno con “Cloudspotting” (Mouthwatering Records): sdraiarsi sull’erba, o su un tetto e osservare le nuvole che passano, lasciando vagare i pensieri. 

Sophie Adam e Philipp Schlotter sono tornati 4 anni dopo l’album “Restore”, con una nuova passeggiata nel loro parco giochi che oggi contiene, oltre al fedele laptop, anche un registratore a cassetta a quattro piste.

In undici tracce dal sapore dream pop elettronico, di cui tre sono dei “corti strumentali”, Namaka riflettono sul flusso inarrestabile della vita e sul rumore costante della società, arrivando a una conclusione: siamo sempre in movimento e raramente ci prendiamo il tempo per guardarci dentro, fermarci, riflettere e capire veramente chi siamo e che cosa vogliamo. Nel nuovo album, Namaka meditano anche sul nostro modo di relazionarci con il mondo circostante ed esplorano le radici della memoria ereditaria nel contesto familiare: da madre a figlia, da genitore a figlio. È un grande omaggio alle storie che vivono dentro di noi.

La colonna sonora di questo invito all’auto-affermazione è un bouquet sonoro aperto ed evocativo, organico e a tinte dark. E, sopra tutto, c’è la voce angelica di Sophie Adam, sincera, intima e inquietante come i tempi che viviamo. Sandra Romano ha incontrato Namaka a Zurigo.

Ho un debole per Casanora. È quell’ammirazione per coloro che, pur consci di pagare un prezzo, agiscono fuori dagli schemi e dalle convenzioni. 

Nora Ringgenberg, in arte Casanora, produttrice elettronica e sound designer bernese, era già stata a Confederation Music nel 2022 con “Electric Water” e ritorna di nuovo con l’acqua, quella del mare, la dimensione fluida in cui nuotano le meduse.

Si chiama “The Year of the Jellyfish” il nuovo album di Casanora. È ispirato alle bellezze della Puglia e alle acque temperate del Mediterraneo, quelle in cui danza serenamente una tra le creature più antiche, sconosciute e incomprese di questo pianeta: la medusa.

In questo concept elettronico la medusa diventa sinonimo di tranquillità in mezzo al caos, di una deriva oggi più che mai necessaria per scoprire la bellezza, allontanandosi dal ritmo frenetico e insostenibile della nostra vita. È un atto di libertà, un dipinto musicale che rappresenta la vastità del mare, con una parola d’ordine: decelerazione.

Con “The Year of the Jellyfish” (Infinite Machine) Casanora invita l’ascoltatore a perdersi e a ritrovare sé stesso, in un viaggio musicale di sette brani che attraversa paesaggi subacquei ambient e introspettivi, momenti ritmici vigorosi e all’apparenza più terreni, e dove la voce appare sia come strumento musicale quasi impercettibile che come “spoken word” carico di messaggio.

È un piacere accogliere di nuovo Nora Ringgenberg.

“Emotional Hardcore” é l’ultimo album di Elio Ricca uscito il 22 agosto 2025 con Mouthwatering Records. È un inno alle contraddizioni interiori, un disco che ha la luce del primo mattino, quella che vedi quando torni a casa dopo una notte fuori.

“Emotional Hardcore” ha la scintilla selvaggia, cruda e lo-fi che ha caratterizzato il passato musicale di Elio Ricca, ma è più melodico, un po’ più pop e molto più sintetico. Tra ritmiche elettroniche, testi trasparenti come l’acqua, auto-ironia, risate e tristezza, spuntano per la prima volta anche due brani cantati in italiano, la lingua materna e paterna di Elio che, assieme a Philip Meienhofer, compone questo unicum sangallese. 

Elio Ricca hanno re-inventato il loro suono, che è un clash di pop e underground, di disco e grunge, di punk e synthwave. Anche i contenuti sono diversi, i temi sono più crudi e intimi; si parla di ADHD, di pressione sociale e relazioni che si sgretolano. È un mix di euforia e vulnerabilità condensate in 8 canzoni.

Sandra Romano ha incontrato Elio Ricca e Zurigo e gli ha chiesto, in apertura, che cosa è successo dall’album “Lunapark” del 2022, quando era stato a Confederation Music l’ultima volta.

Se parli con un musicista romando o svizzero tedesco dell’eventualità di suonare in Ticino, ti dirà sempre Facciamo La Corte.

Quella reazione spontanea racchiude il fascino di una festa che colpisce l’immaginario collettivo locale e nazionale. Una “festa” perché la sua forza sta nel suo valore popolare.

Venerdì 29 e sabato 30 agosto, va in scena, nei vicoli e nelle corti di Muzzano, la decima edizione di “Facciamo la corte”, così bella, così genuina e aggregante da risuonare anche presso l’Ufficio Federale della Cultura a Berna, che ha consegnato ai suoi creatori Simone Bernardoni, Damiano “Dug” Merzari e Paride Bernasconi, un prestigioso “Premio speciale di musica”.

Facciamo la Corte è la storia di un’idea messa in pratica, germogliata come il seme di una pianta che ha messo radici ed è diventata grande, restando sempre a misura d’uomo, di famiglia e di paese. La decima edizione prevede 22 concerti e tante performances per tutti, nel migliore degli spiriti indie e underground.

Mentre Muzzano attende l’abbraccio della sua popolazione e di chi arriverà da fuori, Simone Bernardoni racconta i segreti di un’incredibile avventura e del suo successo.  

La colonna sonora della puntata viene tutta dal cartellone della decima edizione di “Facciamo la Corte”.

L’amore, l’incertezza, la morte e il viaggio infinito alla ricerca del modo migliore per relazionarsi con sé stessa.

Andrea Thoma, in arte Amoa, torna a Confederation Music da solista 4 anni dopo l’album “You” con “I’ll be kind” (Radicalis), un disco intenso di 7 canzoni con cui mette in musica i sentimenti più intimi.

È una metamorfosi stilistica quella di Amoa. L’elettronica dell’esordio ha lasciato spazio a un suono analogico e organico che rende tutto più vivido e rock, senza togliere un solo grammo alla delicatezza e alla sensibilità di una voce dalla grande estensione e che, su questo album, si può sentire spesso e volentieri in falsetto.

Amoa, amante del jazz e dell’estetica degli anni 70, combina elementi moderni del pop con la sperimentazione. Lo fa invitando l’ascoltatore ad andare più a fondo perché così avviene nel suo mondo: le verità più oscure si vedono solo quando guardi da vicino, mentre l’amore può celarsi nei luoghi più impensabili.

“I’ll be kind” di Amoa è un viaggio musicale e lirico appassionato, dark e provocatorio. Noi siamo andati a Basilea a trovarla e le abbiamo chiesto, in apertura, che cosa è diventato il suo progetto in questi 4 anni.